100 ΚΑΛΥΤΕΡΕΣ, ΜΗ ΑΓΓΛΟΦΩΝΕΣ, ΤΑΙΝΙΕΣ ΟΛΩΝ ΤΩΝ ΕΠΟΧΩΝ (BBC) 2ο ΜΕΡΟΣ

ΔΕΥΤΕΡΟ ΜΕΡΟΣ  –  (20 εως 01)

Το BBC δημοσίευσε μία πολυαναμενόμενη λίστα για τους λάτρεις του μη αγγλόφωνου κινηματογράφου: αυτή με τις 100 καλύτερες ταινίες όλων των εποχών! Επέλεξε 209 κριτικούς από 43 χώρες, οι οποίοι έπρεπε να βρουν τις καλύτερες ταινίες του παγκόσμιου κινηματογράφου. Η αφορμή δόθηκε πριν από 3 χρόνια, όταν το BBC έκανε παρόμοια λίστα, αλλά με τις 100 καλύτερες αμερικανικές ταινίες. Ανάμεσα σε αυτές τις 100 ταινίες, βρίσκεται και η ταινία ενός σπουδαίου Έλληνα σκηνοθέτη. Ο Θόδωρος Αγγελόπουλος βρίσκεται στην 100η θέση, με την ταινία του «Τοπίο στην Ομίχλη». Ήρθε λοιπόν η ώρα να φύγουμε από τον λαμπερό κόσμο του Χόλιγουντ και να δούμε τι συμβαίνει στους κινηματογράφους των υπόλοιπων χωρών.

20. The Mirror (Andrei Tarkovsky, 1974)

Καθρέφτης (ρωσικά: Зеркало) είναι μια ρωσική δραματική ταινία του 1975 σε σκηνοθεσία Αντρέι Ταρκόφσκι . Είναι χαλαρά αυτοβιογραφικό, μη συμβατικά δομημένο και ενσωματώνει ποιήματα που συνέθεσε και διαβάστηκε από τον πατέρα του σκηνοθέτη, Arseny Tarkovsky . Στην ταινία συμμετέχουν οι Margarita Terekhova , Ignat Daniltsev, Alla Demidova , Anatoly Solonitsyn , η σύζυγος του Tarkovsky Larisa Tarkovskaya και η μητέρα του Maria Vishnyakova. Ο Innokenty Smoktunovsky παρέχει φωνή και ο Eduard Artemyev την παρεπόμενη μουσική και ηχητικά εφέ.
Το Mirror είναι δομημένο με τη μορφή μιας μη γραμμικής αφήγησης , με την κύρια ιδέα του να χρονολογείται από το 1964 και να υποβάλλεται σε πολλαπλές σεναριακές εκδοχές των Tarkovsky και Aleksandr Misharin . Ξετυλίγεται γύρω από αναμνήσεις που ανακαλεί ένας ετοιμοθάνατος ποιητής βασικών στιγμών της ζωής του και του σοβιετικού πολιτισμού. Η ταινία συνδυάζει σύγχρονες σκηνές με μνήμες παιδικής ηλικίας, όνειρα και πλάνα ειδήσεων . Η κινηματογραφία του γλιστρά ανάμεσα στο έγχρωμο, το ασπρόμαυρο και τη σέπια . Η χαλαρή ροή οπτικά ονειρικών εικόνων της ταινίας συγκρίθηκε με την τεχνική του ρεύματος της συνείδησης στη μοντερνιστική λογοτεχνία.
Το Mirror αρχικά πόλωση κριτικών και κοινού, με πολλούς να θεωρούν την αφήγησή του ακατανόητη. Το έργο έχει αυξηθεί σε φήμη από την κυκλοφορία του και θεωρείται πλέον μία από τις καλύτερες ταινίες όλων των εποχών , καταλαμβάνοντας τη δέκατη ένατη θέση στην ψηφοφορία των κριτικών της Sight & Sound το 2012 και την ένατη στη δημοσκόπηση των σκηνοθετών. Έχει επίσης βρει την εύνοια πολλών Ρώσων για τους οποίους παραμένει το πιο αγαπημένο τους από τα έργα του Ταρκόφσκι.

19. The Battle of Algiers (Gillo Pontecorvo, 1966)

                                                                                              Η Μάχη του Αλγερίου ( Ιταλικά : La battaglia di Algeri , αραβικά : معركة الجزائر ) είναι μια πολεμική ταινία του 1966 σε σενάριο και σκηνοθεσία του Gillo Pontecorvo . Βασίζεται σε γεγονότα που πραγματοποιήθηκαν από αντάρτες κατά τη διάρκεια του Πολέμου της Αλγερίας (1954–1962) κατά της γαλλικής κυβέρνησης στη Βόρεια Αφρική, με το πιο σημαντικό να είναι η ομώνυμη Μάχη του Αλγερίου , της πρωτεύουσας της Αλγερίας. Γυρίστηκε επιτόπου σε ένα ρεπορτάζ εμπνευσμένο από τον Ρομπέρτο Ροσελίνι Στυλ: σε ασπρόμαυρο με μοντάζ τύπου ντοκιμαντέρ για να προσθέσει την αίσθηση της ιστορικής αυθεντικότητας, με κυρίως μη επαγγελματίες ηθοποιούς που είχαν ζήσει την πραγματική μάχη. Η παρτιτούρα της ταινίας συντέθηκε από τους Pontecorvo και Ennio Morricone . Συχνά συνδέεται με τον ιταλικό νεο ρεαλιστικό κινηματογράφο
Η ταινία επικεντρώνεται κυρίως στον επαναστάτη μαχητή Ali La Pointe κατά τη διάρκεια των ετών μεταξύ 1954 και 1957, όταν αντάρτες μαχητές του FLN πήγαν στο Αλγέρι. Οι ενέργειές τους αντιμετωπίστηκαν από Γάλλους αλεξιπτωτιστές που προσπαθούσαν να ανακτήσουν εδάφη. Η άκρως δραματική ταινία αφορά την οργάνωση ενός αντάρτικου και τις παράνομες μεθόδους , όπως τα βασανιστήρια, που χρησιμοποιούσαν οι Γάλλοι για να το σταματήσουν . Η Αλγερία πέτυχε να αποκτήσει ανεξαρτησία από τους Γάλλους, κάτι που ο Pontecorvo πραγματεύεται στον επίλογο της ταινίας
Η ταινία έχει αναγνωριστεί από τους κριτικούς. Τόσο οι αντάρτικες ομάδες όσο και οι κρατικές αρχές το θεωρούν σημαντικό σχόλιο για τον ανταρτοπόλεμο πόλεων . Καταλαμβάνει την 48η θέση στις 250 καλύτερες ταινίες των Κριτικών της δημοσκόπησης Sight & Sound 2012, καθώς και την 120η θέση στη λίστα του περιοδικού Empire με τις «500 καλύτερες ταινίες όλων των εποχών». Επιλέχθηκε για να μπει στη λίστα των « 100 ιταλικών ταινιών που πρέπει να σωθούν ». Αντικείμενο κοινωνικοπολιτικής διαμάχης, η ταινία δεν προβλήθηκε για πέντε χρόνια στη Γαλλία. τελικά κυκλοφόρησε το 1971.

18. A City of Sadness (Hou Hsiao-hsien, 1989)

Η Πόλη της Θλίψης ( Κινέζικα :悲情城市; pinyin : Bēiqíng chéngshì ) είναι ένα ταϊβανέζικο ιστορικό δράμα του 1989 σε σκηνοθεσία Hou Hsiao-hsien . Αφηγείται την ιστορία μιας οικογένειας που εμπλέκεται στον « Λευκό Τρόμο » που προκλήθηκε στον Ταϊβανέζικο λαό από την κυβέρνηση Kuomintang (KMT) μετά την άφιξή τους από την ηπειρωτική Κίνα στα τέλη της δεκαετίας του 1940, κατά τη διάρκεια του οποίου χιλιάδες Ταιβανεζοι και πρόσφατοι μετανάστες από την ηπειρωτική χώρα συλλέχθηκαν, πυροβολήθηκαν και/ή στάλθηκαν στη φυλακή. Η ταινία ήταν η πρώτη που ασχολήθηκε ανοιχτά με τα αυταρχικά παραπτώματα του KMT μετά την κατάκτηση της Ταϊβάν το 1945, το οποίο είχε αποκατασταθεί στην Κίνα μετά την ήττα της Ιαπωνίας στον Β’ Παγκόσμιο Πόλεμο , και το πρώτο που απεικόνισε το περιστατικό της 28ης Φεβρουαρίου 1947, στο οποίο χιλιάδες άνθρωποι σφαγιάστηκαν από το KMT.
Το A City of Sadness ήταν η πρώτη (από τις τρεις) ταιβανεζικες ταινίες που κέρδισαν το βραβείο Χρυσού Λέοντα στο Φεστιβάλ Κινηματογράφου της Βενετίας και συχνά θεωρείται το αριστούργημα του Hou. Η ταινία επιλέχθηκε ως η Ταϊβανέζικη συμμετοχή για την Καλύτερη Ξενόγλωσση Ταινία στα 62α Όσκαρ , αλλά δεν έγινε δεκτή ως υποψήφια.
Αυτή η ταινία θεωρείται ως η δεύτερη δόση της τριλογίας Wu Nien-jen καθώς και η πρώτη δόση μιας χαλαρής τριλογίας των ταινιών του Hsiao-Hsien που πραγματεύονται την ιστορία της Ταϊβάν, η οποία περιλαμβάνει επίσης The Puppetmaster (1993) και Good Men, Good Women (1995). Αυτές οι ταινίες ονομάζονται συλλογικά η «Τριλογία της Ταϊβάν» από ακαδημαϊκούς και κριτικούς.

17. Aguirre, the Wrath of God (Werner Herzog, 1972)

Aguirre, η οργή του Θεού (Γερμανικά : Aguirre, der Zorn Gottes) είναι μια επική ιστορική δραματική ταινία του 1972 σε παραγωγή, σενάριο και σκηνοθεσία του Βέρνερ Χέρτζογκ . Ο Klaus Kinski πρωταγωνιστεί στον πρωταγωνιστικό ρόλο του Ισπανού στρατιώτη Lope de Aguirre , ο οποίος οδηγεί μια ομάδα κατακτητών στον ποταμό Αμαζόνιο στη Νότια Αμερική σε αναζήτηση της θρυλικής πόλης του χρυσού, του El Dorado . Το soundtrack συνέθεσε και ερμήνευσε το συγκρότημα kosmische Popol Vuh . Χρησιμοποιώντας μια μινιμαλιστική προσέγγιση στην ιστορία και τους διαλόγους, η ταινία δημιουργεί ένα όραμα τρέλας και ανοησίας, που αντιπαρατίθεται από την πλούσια αλλά αδυσώπητη ζούγκλα του Αμαζονίου. Παρόλο που βασίζεται χαλαρά σε όσα είναι γνωστά για την ιστορική φιγούρα του Aguirre, ο Herzog αναγνώρισε χρόνια μετά την κυκλοφορία της ταινίας ότι η ιστορία της είναι ένα έργο φαντασίας. Τα γυρίσματα έγιναν εξ ολοκλήρου στην τοποθεσία και ήταν γεμάτα δυσκολίες. Τα γυρίσματα έγιναν στο περουβιανό τροπικό δάσος στον ποταμό Αμαζόνιο κατά τη διάρκεια μιας επίπονης περιόδου πέντε εβδομάδων, με γυρίσματα σε παραπόταμους της περιοχής Ucayali . Το καστ και το πλήρωμα σκαρφάλωσαν στα βουνά, έκοψαν βαριά αμπέλια για να ανοίξουν διαδρομές προς τις διάφορες τοποθεσίες της ζούγκλας και οδήγησαν στα ύπουλα ορμητικά ποτάμια πάνω σε σχεδίες που κατασκεύασαν ντόπιοι τεχνίτες.
Ο Aguirre άνοιξε την ευρεία αναγνώριση των κριτικών και γρήγορα ανέπτυξε μια μεγάλη διεθνή καλτ ταινία . Πραγματοποιήθηκε εκτεταμένη καλλιτεχνική κυκλοφορία στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1977 και παραμένει μια από τις πιο γνωστές ταινίες του σκηνοθέτη. Αρκετοί κριτικοί έχουν χαρακτηρίσει την ταινία αριστούργημα και έχει εμφανιστεί στη λίστα του περιοδικού Time με τις «100 καλύτερες ταινίες όλων των εποχών».

16. Metropolis (Fritz Lang, 1927)

Το Metropolis είναι μια γερμανική εξπρεσιονιστική δραματική ταινία επιστημονικής φαντασίας του 1927 σε σκηνοθεσία Φριτς Λανγκ και σενάριο Τέα φον Χάρμπου σε συνεργασία με τον Λανγκ από το ομώνυμο μυθιστόρημα του φον Χάρμπου το. Σκόπιμα γραμμένο ως θεραπεία , πρωταγωνιστούν οι Gustav Fröhlich , Alfred Abel , Rudolf Klein-Rogge και Brigitte Helm . Ο Erich Pommer το παρήγαγε στα Babelsberg Studios για την Universum Film AG (UFA). Η βουβή ταινία θεωρείται ως μια πρωτοποριακή ταινία επιστημονικής φαντασίας , καθώς είναι από τις πρώτες μεγάλου μήκους ταινίες αυτού του είδους. Τα γυρίσματα πραγματοποιήθηκαν για 17 μήνες το 1925–26 με κόστος πάνω από πέντε εκατομμύρια Ράιχσμαρκ ή το ισοδύναμο περίπου 19 εκατομμυρίων ευρώ.
Φτιαγμένο στη Γερμανία κατά την περίοδο της Βαϊμάρης , το Metropolis βρίσκεται σε μια φουτουριστική αστική δυστοπία και ακολουθεί τις προσπάθειες του Φρέντερ, του πλούσιου γιου του άρχοντα της πόλης, και της Μαρίας, μιας αγίας φιγούρας για τους εργάτες, να ξεπεράσουν το τεράστιο χάσμα που χωρίζει τις τάξεις. την πόλη τους και φέρνουν τους εργάτες μαζί με τον Joh Fredersen, τον κύριο της πόλης. Το μήνυμα της ταινίας περικλείεται στον τελευταίο τίτλο : «The Mediator Between the Head and the Hands Must Be the Heart». Το Metropolis θεωρείται πλέον ευρέως ως μία από τις μεγαλύτερες και πιο σημαίνουσες ταινίες που έγιναν ποτέ , καταλαμβάνοντας την 35η θέση στη δημοσκόπηση των κριτικών της Sight & Sound το 2012. Το 2001, η ταινία εγγράφηκε στο Μητρώο Μνήμης του Κόσμου της UNESCO , η πρώτη ταινία που διακρίθηκε με αυτόν τον τρόπο.

15. Pather Panchali (Satyajit Ray, 1955)

Ο Πατέρας Παντσαλι (μετάφρ . Song of the Little Road ) είναι μια ινδική δραματική ταινία του 1955 στη γλώσσα Μπενγκάλι σε σενάριο και σκηνοθεσία του Satyajit Ray και παραγωγή της κυβέρνησης της Δυτικής Βεγγάλης . Είναι μια προσαρμογή του ομώνυμου μυθιστορήματος της Μπενγκάλι του 1929 Bibhuti bhushan Bandyopadhyay και σηματοδότησε το σκηνοθετικό ντεμπούτο του Ray. Συμμετέχουν οι Subir Banerjee , Kanu Banerjee , Karuna Banerjee , Uma Dasgupta, Pinaki Sengupta, Chunibala Devi και είναι η πρώτη ταινία στο Η Τριλογία Apu , ο Πατέρας Panchali απεικονίζει τα παιδικά βάσανα του πρωταγωνιστή Apu και της μεγαλύτερης αδελφής του Durga μέσα στη σκληρή ζωή του χωριού της φτωχής οικογένειάς τους.
Η ιστορία της ζωής του Apu συνεχίζεται στις δύο επόμενες δόσεις της τριλογίας του Ray: Aparajito ( The Unvanquished , 1956) και Apur Sansar ( The World of Apu , 1959). Ο Pather Panchali περιγράφεται ως σημείο καμπής στον ινδικό κινηματογράφο, καθώς ήταν μεταξύ των ταινιών που πρωτοστατησαν στο κινημα του Παράλληλου Κινηματογράφου , το οποίο υποστήριξε την αυθεντικότητα και τον κοινωνικό ρεαλισμό. Η πρώτη ταινία από την ανεξάρτητη Ινδία που προσέλκυσε μεγάλη διεθνή κριτική, κέρδισε το Εθνικό Βραβείο Κινηματογράφου της Ινδίας για την Καλύτερη Ταινία μεγάλου μήκους το 1955, το βραβείο Καλύτερου Ανθρώπινου Ντοκουμέντου στο Φεστιβάλ των Καννών το 1956, και πολλά άλλα βραβεία, καθιερώνοντας τον Ρέι ως έναν από τους πιο διακεκριμένους κινηματογραφιστές της χώρας. Συχνά εμφανίζεται σε λίστες με τις καλύτερες ταινίες που έγιναν ποτέ .

14. Jeanne Dielman, 23 Commerce Quay, 1080 Brussels (Chantal Akerman, 1975)

Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Βρυξέλλες , πιο κοινώς γνωστή ως Jeanne Dielman ταινία της Βέλγου σκηνοθέτη Chantal Akerman . Είναι ένα κομμάτι της ζωής που απεικονίζει τη ζωή μιας νοικοκυράς .
Μετά την κυκλοφορία του, ο κριτικός Λουί Μαρκορέλες το χαρακτήρισε «το πρώτο αριστούργημα του θηλυκού στην ιστορία του κινηματογράφου». Έχει γίνει μια καλτ κλασική ταινία και ήταν η 19η καλύτερη ταινία του 20ου αιώνα σε δημοσκόπηση κριτικών που διεξήχθη από το The Village Voice, η ταινία κατέλαβε την 35η θέση στη δημοσκόπηση των κριτικών στη λίστα των 100 καλύτερων ταινιών όλων των εποχών του περιοδικού Sight & Sound.
Η ταινία εξετάζει το πρόγραμμα μαγειρέματος, καθαρισμού και μητρότητας μιας ανύπαντρης μητέρας για τρεις ημέρες. Η μητέρα, Jeanne Dielman (το όνομα της οποίας προέρχεται μόνο από τον τίτλο και από ένα γράμμα που διαβάζει στον γιο της), κάνει σεξ με άντρες πελάτες στο σπίτι της κάθε απόγευμα, για την επιβίωση της και του γιου της. Όπως και οι υπόλοιπες δραστηριότητές της, η σεξουαλική δουλειά της Jeanne είναι μέρος της ρουτίνας που εκτελεί καθημερινά περιληπτικά και είναι χωρίς προβλήματα. Αλλά τη δεύτερη και την τρίτη μέρα, η ρουτίνα της Jeanne αρχίζει να ξετυλίγεται διακριτικά, καθώς μαγειρεύει υπερβολικά τις πατάτες που ετοιμάζει για δείπνο και ρίχνει ένα κουτάλι που έχει πλυθεί πρόσφατα. Αυτές οι αλλαγές στην ύπαρξη της Jeanne προετοιμάζονται για την κορύφωση την τρίτη μέρα.

13. M (Fritz Lang, 1931)

To Ο Δράκος του Ντίσελντορφ (πρωτότυπος τίτλος: M – Eine Stadt sucht einen Mörder ή, απλά, Μ) είναι γερμανική θρίλερ δραματική ταινία του 1931, σε σκηνοθεσία Φριτς Λανγκ. Το σενάριο γράφτηκε από την Τέα φον Χάρμπου, σε συνεργασία με τον Λανγκ, το οποίο βασίστηκε σε ένα άρθρο του Έγκον Γιάκομπσον, για τον κατά συρροή δολοφόνο, Πέτερ Κούρτεν. Στην ταινία πρωταγωνιστεί ο Ούγγρος ηθοποιός Πίτερ Λόρε, του οποίου είναι και ο πρώτος μεγάλος του ρόλος. Επίσης, η ταινία είναι η πρώτη ομιλούσα του σκηνοθέτη. Η συγκεκριμένη ταινία θεωρείται μία από τις καλύτερες του Λανγκ, καθώς και μία από τις σπουδαιότερους του γερμανικού και του παγκόσμιου κινηματογράφου.
Η πλοκή της ταινίας περιστρέφεται γύρω από τη ζωή ενός σίριαλ κίλερ. Η παραγωγή της ταινίας ξεκίνησε δειλά από το 1930, αλλά δεν μπόρεσε να βρει στούντιο να τη γυρίσει, καθότι πολλοί από το Ναζιστικό Κόμμα, θεώρησαν πως ο πρωταγωνιστής τους απεικονίζει, οι οποίοι μόλις άκουσαν την πλοκή, άλλαξαν γνώμη αφού πρώτα είχαν βασιστεί μόνο από τον τίτλο της. Η ταινία γυρίστηκε μέσα σε έξι εβδομάδες, στα στούντιο της Staaken Zeppelin Halle. Ο Λανγκ, πριν ξεκινήσει τα γυρίσματα είχε επισκεφθεί ψυχιατρική κλινική, ώστε να δει από κοντά κάποιους δολοφόνους παιδιών, ώστε να αποτυπώσει καλύτερα τον πρωταγωνιστή του. Καθότι, η πρώτη ομιλούσα του Λανγκ, ο σκηνοθέτης πειραματίστηκε με τη νέα τεχνολογία, κι αυτή ήταν μία από τις πρώτες ταινίες που χρησιμοποίησαν τη τεχνική της όπερας λάιτ μοτίφ.
Η πρεμιέρα της ταινίας έγινε στο Βερολίνο στις 11 Μαΐου του 1931, στο UFA-Palast am Zoo, σε μία εκδοχή που διαρκούσε 117 λεπτά. Στο Αρχείο Κινηματογράφου, πλέον υπάρχουν 96 λεπτά από το αυθεντικό φιλμ. Το 2000, το Ολλανδικό Μουσείο Κινηματογράφου, επεξεργάστηκε την ταινία και κυκλοφόρησε μια έκδοση 109 λεπτών.[12] Το 1933, η ταινία είχε κυκλοφορήσει και στις ΗΠΑ. Κατά την αρχική του κυκλοφορία το έργο απέσπασε ανάμεικτες κριτικές, όμως με την πάροδο του χρόνου, πολύ θετικές. Το 1940, σκηνή της ταινίας χρησιμοποιήθηκε από τους Ναζί, στην προπαγανδιστική ταινία τους Der ewige Jude. Το 1951, κυκλοφόρησε αμερικανικό remake της ταινίας. Το έργο έχει διασκευαστεί έκτοτε τόσο στο ραδιόφωνο όσο και στο θέατρο. Ο Λανγκ είχε πει, πως αυτή είναι η αγαπημένη του ταινία.

12. Farewell My Concubine (Chen Kaige, 1993)

Το Farewell My Concubine, ελληνικός τίτλος: Αντίο παλλακίδα μου είναι μια κινεζική ιστορική δραματική ταινία του 1993 σε σκηνοθεσία Chen Kaige, με πρωταγωνιστές τους Leslie Cheung , Gong Li και Zhang Fengyi . Διασκευασμένη για την οθόνη του Λου Γουέι βασισμένη στο μυθιστόρημα της Λίλιαν Λι , η ταινία διαδραματίζεται σε μια πολιτικά ταραχώδη Κίνα του 20ού αιώνα, από τις πρώτες μέρες της Δημοκρατίας της Κίνας μέχρι τον απόηχο της Πολιτιστικής Επανάστασης . Εξιστορεί τις ταραγμένες σχέσεις μεταξύ δύο ηθοποιών της όπερας του Πεκίνου και ισόβιων φίλων Cheng Dieyi (Cheung) και Duan Xiaolou (Zhang) και της συζύγου του Xiaolou Juxian (Gong).
Το Farewell My Concubine έκανε πρεμιέρα την 1η Ιανουαρίου 1993, στο Χονγκ Κονγκ . Μετά την κυκλοφορία, η ταινία έλαβε γενικά θετικές κριτικές από σύγχρονους κριτικούς και κέρδισε τον Χρυσό Φοίνικα στο Φεστιβάλ των Καννών το 1993 και έγινε η πρώτη κινεζική ταινία που πέτυχε την τιμή. Διακρισεις: Κέρδισε επίσης διακρίσεις, όπως Χρυσή Σφαίρα Καλύτερης Ξενόγλωσσης Ταινίας και BAFTA Καλύτερης Μη Αγγλικής Ταινίας και έλαβε δύο υποψηφιότητες στα 66α Όσκαρ Καλύτερης Φωτογραφίας και Καλύτερης Ξενόγλωσσης Ταινίας .
Λίγες εβδομάδες μετά την κυκλοφορία της στην Κίνα, η ταινία απαγορεύτηκε απότομα από το Πολιτικό Γραφείο υπό την προϋπόθεση ότι θα γίνουν σημαντικές αλλαγές. Ενώ επέτρεψε μια πρεμιέρα στο Πεκίνο αλλά απαγόρευε την κυκλοφορία σε άλλες πόλεις, η κυβέρνηση αντιτάχθηκε στην αναπαράσταση της ομοφυλοφιλίας, στην αυτοκτονία ενός ηγετικού χαρακτήρα και στην περιγραφή της αναταραχής κατά την κομμουνιστική περίοδο στην Κίνα. Η ταινία επετράπη να ξαναρχίσει τις δημόσιες προβολές τον Σεπτέμβριο του 1993, λιγότερο από ένα χρόνο μετά την αρχική της κυκλοφορία. Μετά τη δημόσια επιστροφή του, αποκαλύφθηκε ότι οι Κινέζοι λογοκριτές έκαναν πολυάριθμες περικοπές, με αποτέλεσμα να αφαιρεθούν 14 λεπτά. Οι Κινέζοι αξιωματούχοι θεώρησαν ότι μια εκ νέου απελευθέρωση σε αντίθεση με τη διατήρηση μιας πλήρους απαγόρευσης θα φίμωνε τις ολοένα αυξανόμενες διεθνείς αντιδράσεις και επίσης θα βοηθούσε την προσπάθειά τους να φιλοξενήσουν τους Ολυμπιακούς Αγώνες στο Πεκίνο το 2000. Το Farewell My Concubine θεωρείται μια από τις ταινίες-ορόσημο του κινήματος της Πέμπτης Γενιάς που έφερε τους Κινέζους σκηνοθέτες στην παγκόσμια προσοχή Το 2005, η ταινία επιλέχθηκε ως μία από τις “100 καλύτερες ταινίες στην παγκόσμια ιστορία” από το περιοδικό Time .

11. Breathless (Jean-Luc Godard, 1960) A separation (2011)

Το Breathless είναι ένα σημαντικό παράδειγμα του γαλλικού κινηματογράφου του Νέου Κύματος ( nouvelle vague ). Μαζί με το The 400 Blows του François Truffaut και το Hiroshima mon amour του Alain Resnais , που κυκλοφόρησαν και τα δύο ένα χρόνο νωρίτερα, έφερε τη διεθνή προσοχή στα νέα στυλ γαλλικής κινηματογραφικής δημιουργίας. Εκείνη την εποχή, το Breathless τράβηξε μεγάλη προσοχή για το τολμηρό οπτικό του στυλ, το οποίο περιελάμβανε τότε την αντισυμβατική χρήση των jump cuts .
Με την αρχική της κυκλοφορία στη Γαλλία, η ταινία προσέλκυσε πάνω από δύο εκατομμύρια θεατές. Έκτοτε θεωρείται μια από τις καλύτερες ταινίες που έγιναν ποτέ , εμφανιζόμενη σε πολλές δεκαετίες δημοσκοπήσεις του περιοδικού Sight & Sound από κινηματογραφιστές και κριτικούς για το θέμα σε πολλές περιπτώσεις. Τον Μάιο του 2010, μια πλήρως αποκατεστημένη έκδοση της ταινίας κυκλοφόρησε στις Ηνωμένες Πολιτείες για να συμπέσει με την 50ή επέτειο της ταινίας.

Πλοκή: Ο Μισέλ είναι ένας νεαρός, επικίνδυνος εγκληματίας που διαμορφώνει τον εαυτό του στην κινηματογραφική περσόνα του Χάμφρεϊ Μπόγκαρτ . Αφού έκλεψε ένα αυτοκίνητο στη Μασσαλία, ο Μισέλ πυροβολεί και σκοτώνει έναν αστυνομικό που τον ακολούθησε σε έναν επαρχιακό δρόμο. Άπεντη και σε φυγή από την αστυνομία, στρέφεται σε μια αμερικανίδα αγάπη, την Πατρίσια, μια φοιτήτρια και επίδοξη δημοσιογράφο, η οποία πουλάει τη New York Herald Tribune στις λεωφόρους του Παρισιού. Η αμφίθυμη Πατρίσια τον κρύβει άθελά της στο διαμέρισμά της καθώς προσπαθεί ταυτόχρονα να την αποπλανήσει και να ζητήσει δάνειο για να χρηματοδοτήσει τη διαφυγή τους στην Ιταλία. Η Patricia λέει ότι είναι έγκυος, πιθανώς στο παιδί του Michel. Μαθαίνει ότι ο Μισέλ βρίσκεται σε φυγή όταν ανακρίνεται από την αστυνομία. Τελικά τον προδίδει, αλλά πριν φτάσει η αστυνομία, λέει στον Michel τι έχει κάνει. Είναι κάπως παραιτημένος σε μια ισόβια κάθειρξη και δεν προσπαθεί να δραπετεύσει στην αρχή. Η αστυνομία τον πυροβολεί στο δρόμο και αφού έτρεξε κατά μήκος του μπλοκ, πεθαίνει “à bout de souffle” (“κομμένη την ανάσα”).

10. La Dolce Vita (Federico Fellini, 1960)

Το La Dolce Vita που σημαίνει «η γλυκιά ζωή» ή «η καλή ζωή» είναι μια ασπρόμαυρη κινηματογραφική ταινία (σατιρική κωμωδία-δραματική) του 1960 σε σενάριο του Φεντερίκο Φελίνι που συνυπογράφει (με τους Ennio Flaiano , Tullio Pinelli και Brunello Rondi) και σκηνοθεσία του του Φεντερίκο Φελίνι και με πρωταγωνιστές τον Μαρτσέλο Μαστρογιάνι, την Ανούκ Αιμέ, την Υβόν Φουρνό, την Ανίτα Έκμπεργκ και τον Αλέν Κούνυ..Το σενάριο, γραμμένο από τον Φελίνι και τρεις άλλους σεναριογράφους, μπορεί να χωριστεί σε επτά μεγάλα επεισόδια που διακόπτονται από ένα ιντερμέτζο και ένας επίλογος , σύμφωνα με την πιο κοινή ερμηνεία.

Πλοκή: Ο Μαρτσέλο είναι δημοσιογράφος στη Ρώμη της δεκαετίας του 1950. Με τα ρεπορτάζ του καλύπτει τις κοινωνικές ειδήσεις: σταρ του κινηματογράφου, θαύματα και σκάνδαλα της αριστοκρατίας. Η ταινία καλύπτει επτά ημέρες της ζωής του Μαρτσέλο. Ο Μαρτσέλο, παρ’ όλη την επαγγελματική και κοινωνική του επιτυχία, ζητάει ένα βαθύτερο νόημα στην ζωή και νομίζει ότι το μυστικό της ζωής βρίσκεται στον πλούτο, ο οποίος κατά την γνώμη του απελευθερώνει τον άνθρωπο από την συμβατότητα της ζωής. Όταν όμως χάνει τον καλύτερό του φίλο, καταλαβαίνει ότι αλλού είναι το νόημα της ζωής. Ο χαρακτήρας του φωτορεπόρτερ Παπαράτσο, εμπνευσμένος από τον φωτορεπόρτερ Τάτσιο Σεκιαρόλι, είναι η προέλευση της λέξης παπαράτσι, η οποία σε πολλές γλώσσες αναφέρεται στον αδιάκριτο φωτογράφο.
Η ταινία ξεκινάει με ένα τεράστιο μαρμάρινο άγαλμα του Χριστού, που το μεταφέρει ένα ελικόπτερο πάνω από τα ερείπια ενός αρχαίου ρωμαϊκού υδραγωγείου για να το πάει στον Πάπα στο Βατικανό. Ο δημοσιογράφος Μαρτσέλο και ο φωτορεπόρτερ του, ο Παπαράτσο, ακολουθούν σε ένα δεύτερο ελικόπτερο. Το άγαλμα του Χριστού, που μοιάζει σαν να ευλογεί όλη τη Ρώμη καθώς πετά από πάνω, αντικαθίσταται σύντομα από το βέβηλο τρόπο ζωής και την νεο μοντερνιστική αρχιτεκτονική της «νέας» Ρώμης που χαρακτηρίζεται από το οικονομικό θαύμα στα τέλη της δεκαετίας του 1950.
Η παράδοση του αγάλματος είναι η πρώτη πολλών επαναλαμβανόμενων σκηνών. Η καθολική εκκλησία θεώρησε τη σκηνή αυτή παρωδία της δευτέρας παρουσίας και γι’ αυτό στην Ισπανία απαγορεύτηκε το έργο μέχρι το 1975.

Βραβεύσεις: Κυκλοφόρησε στην Ιταλία στις 5 Φεβρουαρίου 1960, το La Dolce Vita ήταν τόσο μεγάλη επιτυχία όσο και παγκόσμια εμπορική επιτυχία, παρά τη λογοκρισία σε ορισμένες περιοχές. Κέρδισε τον Χρυσό Φοίνικα στο Φεστιβάλ Καννών το 1960 και το Όσκαρ Καλύτερων Κοστουμιών, Προτάθηκε για άλλα τρία Όσκαρ , συμπεριλαμβανομένων Καλύτερης Σκηνοθεσίας για τον Φεντερίκο Φελίνι και Καλύτερου Πρωτότυπου Σεναρίου Το 1961 πήρε βραβείο New York Film Critics Circle στην κατηγορία καλύτερης ξένης ταινίας. Επίσης το 1961 πήρε τρία βραβεία Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani για τον Α’ Ανδρικό ρόλο, για το καλύτερο σενάριο και για τα καλύτερα σκηνικά. Η Ανούκ Εμέ βραβεύτηκε από την Étoile de Cristal ως καλύτερη γυναικεία ηθοποιός. Το 1962 η ταινία έλαβε Όσκαρ για τα καλύτερα κοστούμια. Η επιτυχία του αποδείχτηκε ορόσημο για τον ιταλικό κινηματογράφο και τον ευρωπαϊκό κινηματογράφο γενικά, και έχει καταλήξει να θεωρείται ως ένα αριστούργημα του ιταλικού κινηματογράφου και μια από τις καλύτερες ταινίες όλων των εποχών.

09. In the Mood for Love (Wong Kar-wai, 2000)

Το In the Mood for Love είναι μια ρομαντική δραματική ταινία του 2000 σε σενάριο, παραγωγή και σκηνοθεσία του Wong Kar-wai . Μια συμπαραγωγή μεταξύ του Χονγκ Κονγκ και της Γαλλίας, απεικονίζει έναν άνδρα ( Tony Leung ) και μια γυναίκα ( Maggie Cheung ) των οποίων οι σύζυγοι έχουν μια σχέση και αναπτύσσουν σιγά σιγά συναισθήματα ο ένας για τον άλλον.

Η ταινία έκανε πρεμιέρα στο Φεστιβάλ των Καννών στις 20 Μαΐου 2000, με την αναγνώριση των κριτικών και μια υποψηφιότητα για τον Χρυσό Φοίνικα . Ο Leung κέρδισε τον καλύτερο ηθοποιό (ο πρώτος ηθοποιός από το Χονγκ Κονγκ που κέρδισε το βραβείο). Συχνά αναφέρεται ως μια από τις καλύτερες ταινίες όλων των εποχών και ένα από τα σημαντικότερα έργα του ασιατικού κινηματογράφου. Σε έρευνα του 2016 από το BBC , ψηφίστηκε ως η δεύτερη καλύτερη ταινία του 21ου αιώνα από 177 κριτικούς κινηματογράφου από όλο τον κόσμο, λέγοντας ότι «ποτέ πριν μια ταινία δεν είχε μιλήσει τόσο άπταιστα στην παγκόσμια γλώσσα της απώλειας και της επιθυμίας». Το 2012, Sight and Sound Η δημοσκόπηση των κριτικών των Καλύτερων Ταινιών Όλων των Εποχών του κύρους κατέταξε αυτήν την ταινία στην 24η θέση, η οποία είναι η ταινία με την υψηλότερη κατάταξη μεταξύ 1980 και 2012. Αποτελεί το δεύτερο μέρος μιας άτυπης τριλογίας , μαζί με το Days of Being Wild [6] και το 2046 .

Πλοκή: Το 1962 στο Βρετανικό Χονγκ Κονγκ , οι εκπατρισμένοι από τη Σαγκάη Chow Mo-wan, δημοσιογράφος, και Su Li-shen, γραμματέας σε μια ναυτιλιακή εταιρεία, νοικιάζουν δωμάτια σε παρακείμενα διαμερίσματα. Ο καθένας έχει έναν σύζυγο που εργάζεται και συχνά τον αφήνει μόνο του στις υπερωρίες. Λόγω της φιλικής αλλά επιβλητικής παρουσίας μιας σπιτονοικοκυράς της Σαγκάης, της κυρίας Σουέν, και των πολυσύχναστων γειτόνων τους που παίζουν mahjong , ο Τσόου και η Σου είναι συχνά μόνοι στα δωμάτιά τους. Αν και αρχικά είναι φιλικοί μεταξύ τους μόνο όσο χρειάζεται, έρχονται πιο κοντά καθώς συνειδητοποιούν ότι οι σύζυγοί τους έχουν σχέση.
Ο Τσόου προσκαλεί τον Σου να τον βοηθήσει να γράψει ένα σίριαλ πολεμικών τεχνών . Ο αυξημένος χρόνος μαζί τους τραβά την προσοχή των γειτόνων τους, με αποτέλεσμα ο Τσόου να νοικιάζει ένα δωμάτιο ξενοδοχείου όπου μπορούν να συνεργάζονται απερίσπαστοι. Καθώς περνά ο καιρός, αναγνωρίζουν ότι έχουν αναπτύξει συναισθήματα ο ένας για τον άλλον, όπως ακριβώς οι σύζυγοί τους είχαν ερωτευτεί ο ένας τον άλλον. Όταν ο Τσόου πιάνει δουλειά στη Σιγκαπούρη , ζητά από τη Σου να πάει μαζί του. Εκείνη συμφωνεί αλλά φτάνει πολύ αργά στο ξενοδοχείο για να τον συνοδεύσει.
Τον επόμενο χρόνο, στη Σιγκαπούρη, ο Τσόου μεταδίδει μια ιστορία στον φίλο του για το πώς σε παλαιότερες εποχές, όταν κάποιος είχε ένα μυστικό, μπορούσε να πάει στην κορυφή ενός βουνού, να φτιάξει μια κοιλότητα σε ένα δέντρο και να το ψιθυρίσει στην κοιλότητα και να το σκεπάσει. με λάσπη. Η Σου φτάνει στη Σιγκαπούρη και επισκέπτεται το διαμέρισμα του Τσόου. Καλεί τον Τσόου αλλά μένει σιωπηλή όταν ο Τσόου σηκώνει το τηλέφωνο. Αργότερα, η Τσόου συνειδητοποιεί ότι είχε επισκεφτεί το διαμέρισμά του αφού είδε ένα αποτσίγαρο λερωμένο με κραγιόν στο τασάκι του.
Τρία χρόνια αργότερα, η Σου επισκέπτεται την κυρία Σουέν, η οποία πρόκειται να μεταναστεύσει στις Ηνωμένες Πολιτείες, και ρωτά αν το διαμέρισμά της είναι διαθέσιμο προς ενοικίαση. Λίγο αργότερα, ο Τσόου επιστρέφει στο Χονγκ Κονγκ για να επισκεφτεί τους πρώην ιδιοκτήτες του, τους Koos, που έχουν μεταναστεύσει στις Φιλιππίνες. Ρωτάει για την οικογένεια Σουέν της διπλανής πόρτας και ο νέος ιδιοκτήτης του λέει ότι μια γυναίκα και ο γιος της ζουν τώρα εκεί. Φεύγει χωρίς να καταλάβει ότι η Σου είναι η κυρία που μένει εκεί. Ο Chow ταξιδεύει στο Siem Reap της Καμπότζης και επισκέπτεται το Angkor Wat . Ψιθυρίζει κάτι ανήκουστο σε μια κοιλότητα σε έναν τοίχο εκεί και βουλώνει την κοιλότητα με λάσπη.

08. The 400 Blows (François Truffaut, 1959)

Τα τετρακόσια χτυπήματα (Les Quatre Cents Coups) είναι δραματική κινηματογραφική ταινία που κυκλοφόρησε αρχικά στη Γαλλία το 1959 και στην Ελλάδα το 2002. Αποτελεί μία από τις χαρακτηριστικές ταινίες του Γαλλικού Νέου Κύματος, καθώς έχει πολλά από τα γνωρίσματά του. Το σενάριο επιμελήθηκε ο Φρανσουά Τρυφώ και ο Marcel Moussy ενώ την σκηνοθεσία ανέλαβε ο Φρανσουά Τρυφώ. Πρωταγωνιστούν ο Jean-Pierre Léaud που υποδύεται τον Antoine Doinel, ένα δωδεκάχρονο αγόρι που έρχεται καθημερινά αντιμέτωπο με το απολυταρχικό σύστημα του σχολείου της εποχής από την μία και με την αδιαφορία και τη ψυχρότητα των σχέσεων της οικογένειας του από την άλλη, η Claire Maurier που υποδύεται την Gilberte Doinel, η οποία είναι η μητέρα του Antoine, ο Albert Rémy που υποδύεται τον Julien Doinel, ο οποίος είναι ο θετός πατέρας του Antoine και ο Patrick Auffay που υποδύεται τον René Bigey, ο οποίος είναι ο καλύτερος φίλος του Antoine.Το έργο διαδραματίζεται στην Γαλλία.
Διακρίσεις: Η ταινία είχε πολλές προτάσεις βράβευσης και κατέκτησε και πολλά βραβεία, όπως το “Βραβείο Καλύτερου Σκηνοθέτη” στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου Καννών, το βραβείο OCIC, και η υποψηφιότητα για Χρυσό Φοίνικα (Palme d’Or). Ακόμη, προτάθηκε για Όσκαρ “Καλύτερου Σεναρίου” το 1960. Το έργο πούλησε 4.092.970 εισιτήρια στη Γαλλία, με αποτέλεσμα να γίνει η πιο επιτυχημένη ταινία του Τρυφώ, στην γενέτειρά του. Είναι παγκοσμίως αναγνωρισμένη ως μία από τις καλύτερες γαλλικές ταινίες στην ιστορία του κινηματογράφου, και το 2011, κριτικοί του Sight & Sound, την κατέταξαν στην 39η θέση των καλύτερων ταινιών που προβλήθηκαν ποτέ.

Πλοκή: Ο Antoine Doinel είναι ένα νεαρό αγόρι που μεγαλώνει στη πόλη του Παρισιού κατά τη δεκαετία του 1950. Παρεξηγημένος από τους γονείς τους επειδή είναι αδικαιολόγητα απών από το σχολείο και κλέβει, καθώς και βασανισμένος από τον δάσκαλό του (Guy De Comble) γιατί έχει προβλήματα πειθαρχίας. Το αγόρι παρατάει το σχολείο μετά από το τσακωμό που είχε με τον Balzac και κλέβει μια γραφομηχανή από τη δουλειά του πατέρα του (Albert Remy) ώστε να τελειοποιήσει το σχέδιο του να φύγει από το σπίτι, αλλά συλλαμβάνεται όταν προσπαθεί να την επιστρέψει. Ο πατριός του τον παραδίδει στην αστυνομία όπου ο μικρός περνάει όλη τη νύχτα στη φυλακή και μοιράζεται το κελί με πόρνες και κλέφτες. Κατά τη διάρκεια της ανάκρισης, η μητέρα του ομολογεί ότι ο σύζυγός της δεν είναι ο βιολογικός πατέρας του μικρού. Το αγόρι μεταφέρεται σε αναμορφωτήριο κοντά στην ακτή (μετά από παράκληση της μητέρας του). Εκεί, ένας ψυχολόγος εξετάζει τους λόγους που το αγόρι είναι δυστυχισμένο, αφού εκείνο τους ομολογήσει μέσα από συνεχόμενος μονολόγους. Μια μέρα που παίζει ποδόσφαιρο με τα άλλα αγόρια, καταφέρνει να αποδράσει βγαίνοντας από τον φράχτη και τρέχει προς τον ωκεανό, ένα μέρος που ήθελε να επισκεφτεί όλη του τη ζωή. Φτάνει στην ακτογραμμή και τρέχει προς τη θάλασσα. Στη τελευταία σκηνή, η κάμερα επικεντρώνεται στο πρόσωπο του, και εκείνος κοιτάει προς αυτήν.

Τίτλος: Ο αγγλικός τίτλος της ταινίας είναι κυριολεκτική μετάφραση του γαλλικού αλλά δεν αποδίδει το σωστό νόημα, αφού ο γαλλικός τίτλος αναφέρεται στον ιδιωματισμό “faire les quatre cents coups” , που σημαίνει “αναθρεμμένος στη κόλαση”. Στις πρώτες αφίσες της ταινίας στις ΗΠΑ, o μεταγλωττιστής Noelle Gilmore της έδωσε το τίτλο “Wild Oats”, ο οποίος δεν άρεσε όμως στον αντιπρόσωπο και τον άλλαξε σε “The 400 Blows”. Πριν δουν τη ταινία, ορισμένοι θεωρούσαν ότι αναφέρεται στη σωματική ποινή.

07. 8 1/2 (Federico Fellini, 1963)

Το 8 1 ⁄ 2 (ιταλικός τίτλος: Otto e mezzo , είναι μια σουρεαλιστική κωμωδία-δραματική ταινία του 1963 που σκηνοθετήθηκε και συν-σενάριο (με τους Tullio Pinelli,Ennio Flaiano και Brunello Rondi) από τον Federi. Η μετα φανταστική αφήγηση επικεντρώνεται στον Guido Anselmi, τον οποίο υποδύεται ο Marcello Mastroianni, ένας διάσημος Ιταλός σκηνοθέτης που υποφέρει από πνιγμένη δημιουργικότητα καθώς προσπαθεί να σκηνοθετήσει μια επική ταινία επιστημονικής φαντασίας. Claudia Cardinale,Anouk Aimée,Sandra Milo, η Rossella Falk , η Barbara Steele και η Eddra Gale απεικονίζουν τις διάφορες γυναίκες στη ζωή του Guido. Η ταινία είναι ασπρόμαυρη γυρισμένη από τον κινηματογραφιστή Gianni Di Venanzo και περιλαμβάνει soundtrack του Nino Rota , με κοστούμια και σκηνικά του Piero Gherardi .
Διακρίσεις: Το 8 1⁄2 κέρδισε το Όσκαρ Καλύτερης Ξενόγλωσσης Ταινίας και Καλύτερης Ενδυματολογίας(ασπρόμαυρη). Αναγνωρίζεται επίσης ως ταινία avant-garde και κλασική με μεγάλη επιρροή. Κατατάχθηκε στη 10η θέση στη δημοσκόπηση των κριτικών του Βρετανικού Ινστιτούτου Κινηματογράφου The Sight & Sound Best Films of All Time 2012 και 4η από τους σκηνοθέτες. Περιλαμβάνεται στη συλλογή του Βατικανού με τις 45 καλύτερες ταινίες που γυρίστηκαν πριν από το 1995, την 100ή επέτειο του κινηματογράφου. [7] Η ταινία κατέλαβε την 7η θέση στη BBC 2018 με τις 100 καλύτερες ξενόγλωσσες ταινίες ψηφίστηκε από 209 κριτικούς κινηματογράφου από 43 χώρες σε όλο τον κόσμο Θεωρείται ότι είναι μια από τις μεγαλύτερες και πιο σημαντικές ταινίες όλων των εποχών .

Κριτική: Ο Φελίνι αυτοψυχαναλυεται με τον πιο ευφυή, σπαρακτικό και πρωτοποριακό τρόπο, ενώνοντας αναμνήσεις, όνειρα και κινηματογραφικές εικόνες σ’ έναν ύμνο στη ζωή και στο ίδιο το σινεμά. Κλόουν, γυναίκες, η Ρώμη, όνειρα, λαϊκές γιορτές, σινεμά, παιδικές αναμνήσεις… Μέσα σε τέσσερις δεκαετίες και 20 ταινίες ο Φεντερίκο Φελίνι έφτιαξε έναν εντελώς προσωπικό κι άμεσα αναγνωρίσιμο κινηματογραφικό κόσμο, όπου ο ίδιος ήταν ο αφηγητής, αλλά ταυτόχρονα και ο βασικός πρωταγωνιστής του.
Η απόφασή του να απομακρυνθεί από τη γραμμική εξιστόρηση ιστοριών και να φέρει τα δικά του βιώματα σε πρώτο πλάνο, μετατρέποντάς τα στο θεμελιακό σεναριακό υλικό του, έγινε μετά την παγκόσμια επιτυχία της «Dolce Vita» (1960), η οποία τον έφερε αντιμέτωπο με μια σειρά από καλλιτεχνικά ερωτήματα. Προσπαθώντας να τα απαντήσει με το μοναδικό τρόπο που γνώριζε καλά, τον κινηματογράφο, αποφάσισε να τα ζωντανέψει στο πανί ως εσωτερικές περιπέτειες του Γκουιντο Ανσελμι. Ενός σκηνοθέτη σε βαθιά κρίση, ο οποίος βασανίζεται από φαντασιώσεις και έμμονες ιδέες σχετικά με την καθολική παιδεία του, τις σχέσεις του με τις γυναίκες και την αναζήτηση καλλιτεχνικού νοήματος .Στο «8 1/2», την όγδοη ταινία της φιλμογραφίας του, ο Φελίνι αυτοψυχαναλυεται με τον πιο ευφυή, σπαρακτικό και πρωτοποριακό τρόπο, ενώνοντας αναμνήσεις, όνειρα και κινηματογραφικές εικόνες σ’ έναν ύμνο στη ζωή και το ίδιο το σινεμά. Ξεπερνώντας την ανάγκη να δέσει χαρακτήρες και γεγονότα σε μια ορθολογική μυθοπλασία, ο Ιταλός δημιουργός αποθεώνει την απόλαυση της αφήγησης και παρουσιάζει τον κόσμο σαν ένα ατέλειωτο πανηγύρι γεμάτο χρώματα και μουσικές (ίσως αυτό είναι το καλύτερο σκορ που έγραψε ο Νίνο Ρότα για το μετρ), όπου κάθε έννοια τάξης καταλύεται και ο «χαμένος χρόνος» αποκτά νόημα μέσω της διαπίστωσης ότι το νόημα απουσιάζει, τόσο στη ζωή όσο και στην τέχνη. Ταινία αναφοράς για κάθε καλλιτέχνη που στοχάζεται πάνω στο έργο του, βραβευμένη με ξενόγλωσσο Όσκαρ.

Η ταινία είναι ασυνήθιστη στο ότι είναι μια ταινία για τη δημιουργία μιας ταινίας και η ταινία που γυρίζεται είναι η ταινία που βλέπει το κοινό. Ένα εξαιρετικό παράδειγμα είναι η ονειρική σεκάνς του “Guido’s Harem”, όπου ο Guido λούζεται και μεταφέρεται με λευκά λευκά είδη από όλες τις γυναίκες της ταινίας, μόνο για να διαμαρτυρηθούν οι γυναίκες επειδή τις έστειλαν να ζήσουν στον επάνω όροφο του σπιτιού όταν γίνουν 30 ετών, και Η «Jacquilene Bonbon» κάνει τον τελευταίο της χορό. Η σκηνή του Guido’s Harem ακολουθείται αμέσως από το “Screen Test” που απεικονίζει τους ίδιους ηθοποιούς σε ένα θέατρο, καθένας από τους οποίους ανεβαίνουν στη σκηνή για μια δοκιμή οθόνης, επιλέγοντας να παίξουν για τη σκηνή που μόλις παρακολούθησε το κοινό. Αυτός ο καθρέφτης των κατόπτρων, τονίζεται περαιτέρω στο τέλος όπου ο σκηνοθέτης Guido κάθεται στο τραπέζι της συνέντευξης Τύπου,

06. Persona (Ingmar Bergman, 1966)

Η ταινία (ΠΕΡΣΟΝΑ / ΕΡΩΤΑΣ ΧΩΡΙΣ ΦΡΑΓΜΟΥΣ / PERSONA)
Σκηνοθεσία: Ingmar Bergman Πρωταγωνιστούν: Bibi Andersson, Liv Ullmann
Η «Persona» – που στην Ελλάδα έχει παιχτεί και ως «Έρωτας χωρίς φραγμούς» – κρίνεται ως άκρως μινιμαλιστική, πλην αριστουργηματική, ταινία, με την εμφάνιση μόνο πέντε ηθοποιών από τους οποίους η Μπίμπι Άντερσον και η Λιβ Ούλμαν είναι οι μόνες που εμφανίζεται για περισσότερο από ένα λεπτό μπροστά στην κάμερα. Η μουσική επένδυση του Λαρς Γιόχαν Βέρλε είναι εξαιρετική και σε ορισμένες σκηνές στοιχειώνει τον θεατή. Persona είναι η λατινική λέξη για τη “μάσκα” και αναφέρεται σε ένα επιστόμιο που φορούσαν οι ηθοποιοί για να αυξήσουν την ακουστότητα των γραμμών τους. Στην ελληνική δραματουργία, η περσόνα σημαίνει έναν χαρακτήρα, ξεχωριστό από έναν ηθοποιό. Ο Μπέργκμαν χρησιμοποιούσε συχνά το θέατρο ως σκηνικό στις ταινίες του.
Πλοκή: Η ηθοποιός Ελίζαμπεθ Βόγκλερ, παντρεμένη και με έναν μικρό γιο, καταρρέει κατά τη διάρκεια μιας παράστασης της Ηλέκτρας. Στη συνέχεια καταφεύγει στη σιωπή και την απομόνωση από τον υπόλοιπο κόσμο. Η νοσοκόμα που την περιποιείται, η Άλμα, τη συνοδεύει στο παραθαλάσσιο σπίτι της γιατρού της, για να βελτιωθούν οι συνθήκες ανάρρωσης της. Η Άλμα προσπαθεί συνεχώς να διαλευκάνει ποιος είναι ο λόγος που η Ελίζαμπεθ έχει επιλέξει τη σιωπή (η οποία μετατρέπεται σιγά σιγά σε κατατονία) μιας και πιστεύει ότι διαθέτει ένα είδος «εσωτερικής δύναμης» που την έχει ωθήσει σε τούτη της την επιλογή. Παρότι εντελώς αντίθετοι χαρακτήρες μια περίεργη όσμωση θα δημιουργηθεί ανάμεσα στις δύο γυναίκες. Επειδή ο γιατρός που παρακολουθούσε την Ελίζαμπεθ έχει απαγορεύσει τις επισκέψεις, η Άλμα μιλάει συνεχώς στην Άλμα προσπαθώντας να της εκμαιεύσει λεπτομέρειες της ζωής της. Οι μέρες περνούν και η Άλμα προκειμένου να κάνει την Ελίζαμπεθ να αντιδράσει, της μιλάει διαρκώς, χωρίς ποτέ να λαμβάνει απάντηση και σύντομα θα αρχίσει να της εξομολογείται όλα της τα μυστικά της και τις πιο μύχιες σκέψεις της. Σ’ αυτό το διάστημα της συγκατοίκησης και της απομόνωσης, ανάμεσα στις δύο γυναίκες που μοιάζουν πολύ στην εξωτερική εμφάνιση, αναπτύσσεται μια παράξενη σχέση η οποία οδηγεί σταδιακά και με έναν παράξενο τρόπο, στην συγχώνευση των προσωπικοτήτων τους, της μίας μέσα στην άλλη…

Ο ίδιος o Μπέργκμαν, θα πει χαρακτηριστικά για την «Persona»: «Η ταινία αυτή μου έσωσε τη ζωή. Και αποτελεί τα όρια στα οποία θα μπορούσε να φτάσει η διάνοιά μου…»
Ταινία ασύλληπτη και διφορούμενη, ταινία των αντιθέσεων και των αναλογιών, η Persona είναι ένα ασπρόμαυρο επιτυχημένο πείραμα στην φιλμογραφία του Bergman. Πολύ πιο κοντά σαν ύφος στον Godard παρά στου Bergman,η ταινία ακολουθεί τις τρεις μεγάλες αξίες του σκηνοθέτη: α) Να είσαι πάντα ενδιαφέρων δηλαδή να δίνεις στο κοινό αυτό που θέλει. Ψυχαγωγία, χαρά, συγκίνηση, τέχνη και ζωτικότητα. Αλλά για να μην εκπορνεύεται αυτό που κάνεις β) Να πράττεις πάντα σύμφωνα με την καλλιτεχνική σου συνείδηση και γ) κάθε ταινία να είναι η τελευταία σου. Και κάπως έτσι η ταινία, μέσα στα μόλις 80 λεπτά της, αποτελεί ένα δοκίμιο για αυτό που δείχνει ο καθένας μας ότι είναι, σε αυτό που πιστεύει ότι είναι, σε αυτό που είναι πραγματικά, σε αυτό που δεν θέλει να είναι και σε αυτό που είναι παρά την θέληση του. Έτσι στην μέση της ταινίας που παρακολουθούμε, το φιλμ θα κοπεί στα δύο και θα σηματοδοτήσει την διακοπή της συνέχειας του χαρακτήρα της νοσοκόμας και θα μας βάλει ως θεατές να αναθεωρήσουμε όσα πιστεύαμε ότι παρακολουθούμε στην ταινία.

Οι δύο μεγάλες ηθοποιοί, μούσες του Ingmar Bergman, αποτελούν την πραγμάτωση της Persona. Από την μία η βουβή Liv Ullmann, που παίζει μόνο με τις εκφράσεις του προσώπου της και κατάφερε στα παρασκήνια να κάνει τον Bergman να την ερωτευτεί και η ταινία να είναι η αφετηρία του μεγάλου τους έρωτα. Και από την άλλη η Bibbi Anderson, η φλύαρη και sexy νοσοκόμα που αντιμετωπίζει την μοναξιά της, βαμπιρίζοντας την ηθοποιό. Συγκλονιστική επίσης η ασπρόμαυρη φωτογραφία του Sven Nykvist, ο οποίος κέρδισε έπειτα 2 Oscars φωτογραφίας για ταινίες του Bergman , το Κραυγές και Ψίθυροι και το Φάννυ και Αλέξανδρος και είναι και υπεύθυνος για την φωτογραφία στην Θυσία του Ταρκόφσκι.
Σημειώσεις: Το 1967 η «Persona» είχε επιλεγεί από την Σουηδική Ακαδημία Κινηματογράφου για να εκπροσωπήσει την χώρα στην κατηγορία Καλύτερης Ξενόγλωσσης Ταινίας στο 39ο διαγωνισμό των Όσκαρ, αλλά η υποψηφιότητά της δεν έγινε δεκτή.
Είναι μάλιστα χαρακτηριστικό ότι μέχρι και το 2004 στην Αμερική κυκλοφορούσε μια λογοκριμένη έκδοση της ταινίας στην οποία είχαν περικοπεί στοιχεία από το πρώτο τρίλεπτο της ταινίας. Αλλά και κάποια κομμάτια από τον μονόλογο της Μπίμπι Άντερσον που αναφέρονταν, στο ερωτικό όργιο καθώς και στην άμβλωση του παιδιού…Μετά τον θάνατο του Μπέργκμαν το 2007, η κατοικία του και η τοποθεσία των γυρισμάτων του Persona στο Hammars στο Fårö εκτιμήθηκαν στα 35 εκατομμύρια kr και πουλήθηκαν.
Διακρίσεις: Το Persona κέρδισε το βραβείο Καλύτερης Ταινίας στα 4α Βραβεία Guldbagge, Ήταν το πρώτο έργο του Μπέργκμαν που κέρδισε το Βραβείο Καλύτερης Ταινίας της Εθνικής Εταιρείας Κριτικών Κινηματογράφου . Οι κριτικοί επαίνεσαν την ερμηνεία της Bibi Andersson και έλαβε το βραβείο Guldbagge για την καλύτερη ηθοποιό .
Οι δοκιμιογράφοι και οι κριτικοί έχουν χαρακτηρίσει την Persona ένα από τα σημαντικότερα καλλιτεχνικά έργα του 20ου αιώνα και το αριστούργημα του Μπέργκμαν.

05. The Rules of the Game (Jean Renoir, 1939)

Η ταινία (Ο ΚΑΝΟΝΑΣ ΤΟΥ ΠΑΙΧΝΙΔΙΟΥ / LA REGLE DU JEU / THE RULES OF THE GAME)
Ο Κανόνας του παιχνιδιού (πρωτότυπος γαλλικός τίτλος: La Règle du Jeu) είναι γαλλική σατιρική δραματική κωμωδία του 1939 σε σκηνοθεσία Ζαν Ρενουάρ.
Παίζουν: Νορά Γκρεγκόρ, Ρολάν Τουτέν, Μαρσέλ Νταλιό, Μιλά Παρλί
Η ταινία ανήκει στο στυλ του ποιητικού ρεαλισμού και απεικονίζει τη ζωή της γαλλικής ανώτερης τάξης και των υπηρετών τους την παραμονή του Β’ Παγκοσμίου Πολέμου παρουσιάζοντας με κωμικοτραγικά στοιχεία την ηθική τους παρακμή στις παραμονές της επικείμενης καταστροφής. Βασίζεται στο θεατρικό έργο του Αλφρέ ντε Μυσσέ Τα καπρίτσια της Μαριάννας. Όταν προβλήθηκε το 1939, Ο Κανόνας του παιχνιδιού, η πιο ακριβή γαλλική ταινία της εποχής της, ήταν μια αποτυχία και απαγορεύτηκε λόγω της «υποσκάπτουσας την ηθική» κριτική στάση του σκηνοθέτη.
Ο Ζαν Ρενουάρ, γιος του μεγάλου ιμπρεσιονιστή ζωγράφου Ωγκύστ Ρενουάρ, ρίχνει μια ματιά στην αστική τάξη της Γαλλίας λίγο πριν τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο. Χρησιμοποιώντας ως κέντρο βάρους τους καλεσμένους που φιλοξενεί η εξοχική έπαυλη ενός αριστοκρατικού ζεύγους, ο Ρενουάρ χτίζει σιγά – σιγά την εικόνα μιας κοινωνίας εκτός ελέγχου, ενός τραγελαφικού θιάσου κοινωνικών μοντέλων σε ένα διαρκές θέατρο του παραλόγου. Το ξεπούλημα κάθε αξίας, το τέλος κάθε ανθρωπιάς, η σταδιακή επικράτηση του κακού και η σιωπηλή απελπισία ενός καλλιτέχνη στέκουν ως διαχρονικός καθρέφτης για έναν ολόκληρο κόσμο στο χείλος της αβύσσου. Η ταινία είναι πλέον ευρέως αναγνωρισμένη ως ένα σημαντικό κλασικό έργο του γαλλικού και παγκόσμιου κινηματογράφου. Από το 1952 είναι σταθερά στην πρώτη δεκάδα των δημοσκοπήσεων για τις καλύτερες ταινίες όλων των εποχών, που διεξάγονται κάθε δέκα χρόνια από το κινηματογραφικό περιοδικό Sight and Sound. Έχει επηρεάσει μεγάλο αριθμό σεναριογράφων και σκηνοθετών και σύμφωνα με τον Φρανσουά Τρυφώ ο Κανόνας του παιχνιδιού αποτελεί «το σύμβολο της πίστεως για κάθε σινεφίλ, την ταινία των ταινιών».

Πλοκή: Ο αεροπόρος Αντρέ Ζιριέ προσγειώνεται στο Παρίσι, αφού διέσχισε τον Ατλαντικό σε χρόνο ρεκόρ. Απογοητεύεται που δεν συναντά μέσα στο πλήθος των θαυμαστών του, στο αεροδρόμιο του Ορλί, τη γυναίκα που έχει ερωτευτεί, Κριστίν ντε λα Σεσνέ. Οδηγώντας το αυτοκίνητό του προκαλεί αυτοκινητικό δυστύχημα. Ο φίλος του Οκτάβ προσπαθεί να τον παρηγορήσει και επιτυγχάνει να προσκαλέσουν τον Ζιριέ στον πύργο του μαρκησίου ντε λα Σεσνέ, στη Σολόν, όπου διοργανώνεται ένα μεγάλο κυνήγι. Η Κριστίν είναι η σύζυγος του μαρκησίου, ο οποίος αποφασίζει να τα χαλάσει με την επίσημη ερωμένη του Ζενεβιέβ ντε Μαράστ και να «επιστρέψει» στη σύζυγό του. Ο θηροφύλακας Σουμάχερ πιάνει το συμπαθητικό λαθροκυνηγό Μαρσό αλλά ο μαρκήσιος τον προσλαμβάνει στην υπηρεσία του. Ο Μαρσό φλερτάρει τη γυναίκα του Σουμάχερ Λιζέτ, καμαριέρα της μαρκησίας. Οργανώνεται μεγάλη γιορτή στον πύργο, όπου τα ζευγάρια μπερδεύονται ενώ ο έξαλλος Σουμάχερ κυνηγάει οπλισμένος τον Μαρσό….
«Ο κανόνας του παιχνιδιού» γυρίστηκε ακριβώς στις παραμονές του Β΄ Παγκόσμιου Πολέμου, με τον Ρενουάρ στο απόγειο της δημιουργικής του δύναμης. Είναι τόσο σύνθετο, τολμηρό και μορφολογικά νεωτεριστικό έργο, ώστε σημείωσε παταγώδη αποτυχία και κόπηκαν μέρη του από τον παραγωγό του. Αποκαταστάθηκε σχεδόν 20 χρόνια αργότερα, όταν η φήμη του είχε απλωθεί σ’ όλο τον κόσμο. Σήμερα κερδίζει σταθερά μια από τις πρώτες θέσεις, σε όλες τις «σφυγμομετρήσεις» κριτικών και σκηνοθετών για τις καλύτερες ταινίες του κινηματογράφου. Εξωτερικά είναι ένα μεγάλο ντιβερτιμέντο, ένα πολυπρόσωπο γιορτινό παιχνίδι ερώτων, εξαπατήσεων, μεταμφιέσεων, σε σχεδόν χορευτική μορφή. Στο βάθος είναι μια ανελέητη έκθεση των παθών και των διαβρωμένων ηθών μιας κοινωνίας σε «τέλος εποχής». Οι πλούσιοι και οι ευγενείς χορεύουν θαρρείς ανεύθυνα πάνω στο ηφαίστειο, διεφθαρμένοι και κυνικοί, οι λαϊκοί άνθρωποι «πέφτουν με τα μούτρα» στο υπονομευμένο παιχνίδι και τιμωρούνται, όπως και οι λίγοι αθώοι και ειλικρινείς, γιατί παραβιάζουν τον «κανόνα του παιχνιδιού».

Είπαν για την ταινία
Φρανσουά Τρυφώ: “Tο σύμβολο της πίστεως για κάθε σινεφίλ, η ταινία των ταινιών”
Βιμ Βέντερς : “Προειδοποίηση: Το φιλμ είναι εθιστικό!”
Αλαίν Ρεναί : “H συγκλονιστικότερη κινηματογραφική εμπειρία της ζωής μου”
Ρόμπερτ Άλτμαν : “Ο «Κανόνας του παιχνιδιού» μου δίδαξε τον κανόνα του παιχνιδιού”
Πέδρο Αλμοδόβαρ : “Ο Ρενουάρ είναι απλώς μια μεγαλοφυΐα”
Πολύ απλά, αριστούργημα! Κάποιοι μπορεί να απογοητευτούν από την ρετρό εικόνα, όμως προσπερνώντας την θα δείτε ένα μοντέρνο σινεμά σε όλες του τις διαστάσεις. Οι κανόνες έχουν αλλάξει, αλλά το παιχνίδι είναι πάντα το ίδιο: υψηλή έβδομη τέχνη.

ΤΙ ΛΕΕΙ Ο ΙΔΙΟΣ ο Jean Renoir για την ταινία του
“Οι παρέες διαμορφώνουν τον κόσμο ολόκληρο, κάθε πόλη, κάθε χώρα. Μάλιστα, μερικές παρέες ξεπερνούν τα εθνικά σύνορα και γίνονται διεθνείς. Κάθε παρέα έχει τις συνήθειές της, την ηθική της, την δική της γλώσσα. Απλούστερα, κάθε παρέα έχει τους δικούς της κανόνες, κι αυτοί οι κανόνες κατευθύνουν το παιχνίδι. Όσο πιο μικρή παρέα, τόσο πιο αυστηροί κανόνες. Γι αυτό, οι ομάδες των πλούσιων, αυτών που παίζουν τένις και αγαπούν την ιππασία, δηλαδή τα μέλη μια κοινωνικής κάστας ζουν ακολουθώντας κώδικες που γίνονται αυστηρότεροι όσο αυτές οι κάστες απομακρύνονται από τον υπόλοιπο πληθυσμό. Στον «Κανόνα του παιχνιδιού» η κοινωνική κάστα που παρουσιάζεται αποτελείται από ανθρώπους πολύ πλούσιους, πολύ της μόδας. Δεν πρόκειται για κάποιους τυχάρπαστους, μα για την παλιά καλή μπουρζουαζία. Κανείς δεν ξέρει πώς δείχνει μια ταινία μέχρι να ολοκληρωθεί το μοντάζ. Οι πρώτες προβολές του «Κανόνα» με γέμισαν αμφιβολίες. Ήταν ένα φιλμ του πολέμου, όμως δεν υπήρχε η παραμικρή αναφορά για τον πόλεμο. Επιφανειακά δείχνει ακίνδυνο, αλλά ουσιαστικά το στόρι επιτίθεται σε αυτή καθ’ εαυτή τη δομή της κοινωνίας. Κι όμως, στην αρχή νόμιζα πως δεν επρόκειτο για κάποια πρωτοποριακή δουλειά αλλά μια καλή μικρή ορθόδοξη ταινία. Ο κόσμος πηγαίνει στο σινεμά για να ξεχάσει τα καθημερινά του προβλήματα κι εγώ έχωσα το κοινό μέχρι το κεφάλι σε ακριβώς αυτές τις έγνοιες. Το φάσμα του επερχόμενου πολέμου έκανε τους ανθρώπους ακόμα περισσότερο ευθικτους. Παρουσίαζα συμπαθητικους, ευχάριστους χαρακτήρες οι οποίοι βρίσκονταν σε μια κοινωνία σε διαδικασία αποσύνθεσης, με αποτέλεσμα να ήταν εξ αρχής ηττημένοι. Αυτό, το αντιλήφθηκαν αμέσως οι θεατές. Η αλήθεια είναι πως αναγνώρισαν τους ίδιους τους εαυτούς τους. Όποιος θέλει να αυτοκτονήσει δεν ενδιαφέρεται να το κάνει δημοσίως.
Έμεινα κυριολεκτικά άναυδος όταν συνειδητοποίησα πλέον πως αυτό που σκόπευα να γίνει μια ευχάριστη ταινία προσέγγισε τους περισσότερους με λάθος τρόπο. Η αποτυχία ήταν παταγώδης και η αντίδραση ήταν ένα είδος αποστροφής. Με την εξαίρεση μερικών ευνοϊκών σχολίων, το σύνολο του κοινού αντιμετώπισε το φιλμ ως προσωπική προσβολή. Δεν ήταν κάτι οργανωμένο, οι εχθροί μου δεν είχαν καμία ανάμειξη σε αυτή την αποτυχία. Σε κάθε προβολή που παρακολουθούσα μπορούσα να νιώσω την ομόφωνη αποδοκιμασία εκ μέρους των θεατών. Προσπάθησα να σώσω την κατάσταση μονταροντας μια συντομότερη βερσιόν, αφαιρώντας κατά βάση τις σκηνές στις οποίες πρωταγωνιστούσα λες και ντρεπόμουν να δείξω τον εαυτό μου στην οθόνη μετά από τέτοια απόρριψη. Ήταν ανώφελο. Η ταινία πήγε άπατη χαρακτηρισμένη τελεσίδικα ως «υποσκάπτουσα την ηθική».
Έχουν διατυπωθεί διάφορες εξηγήσεις για αυτή την αντιμετώπιση. Από την μεριά μου πιστεύω πως η αντίδραση οφείλεται στην ευθύτητά μου. Το φιλμ ακολουθεί τις αρχές με τις οποίες μεγάλωσα από μικρός. Ως παιδί, μεγάλωσα με τους γονείς μου, ανθρώπους ανίκανους να κάνουν τα στραβά μάτια μπροστά στην αλήθεια πίσω από την μάσκα. Για να χρησιμοποιήσω μια λέξη της μόδας, η ζωή με την οικογένεια βασίζεται στην «απομυθοποίηση». Κι ήμουν πολύ τυχερός που διδάχθηκα να βλέπω τα πράγματα ξεπερνώντας τις αυταπάτες της νιότης. Στον «Κανόνα», πέρασα αυτά που γνώριζα στο κοινό. Αυτό όμως δυσαρεστεί τους ανθρώπους, η αλήθεια τους κάνει να νιώθουν άβολα.
Ένα τέταρτο του αιώνα αργότερα έδινα μια διάλεξη στο Πανεπιστήμιο του Χάρβαρντ. Ο «Κανόνας» προβάλλεται σε μια κοντινή αίθουσα. Οι φοιτητές χειροκροτούσαν με το τέλος της ταινίας. Από τότε η φήμη της ταινίας μεγαλώνει σταθερά. Αυτό που για την κοινωνία του 1939 συνιστούν προσβολή, 25 χρόνια μετά, αναγνωρίστηκε ως καθαρή ματιά.
Jean Renoir

04. Rashomon (Akira Kurosawa, 1950)

Η ταινία (ΡΑΣΟΜΌΝ / Η ΓΚΈΙΣΑ ΚΑΙ Ο ΣΑΜΟΥΡΆΙ / RASHOMON)
To Ρασομόν (Rashōmon) είναι μία Ιαπωνική Jidaigeki ταινία του 1950, σε σκηνοθεσία Ακίρα Κουροσάβα. Το σενάριο γράφτηκε από τον ίδιο τον σκηνοθέτη, σε συνεργασία με τον Σινόμπου Χασιμότο. Αν και η ταινία πήρε τον τίτλο της από το διήγημα Ρασομόν, του Ρυουνοσούκε Ακουταγκάβα, το σενάριο βασίστηκε σε ένα άλλο διήγημα του Ακουταγκάβα, το Yabu no Naka. Στην ταινία πρωταγωνιστούν οι Τοσίρο Μιφούνε, Τακάσι Σιμούρα, Ματσίκο Κίο και Μασαγιούκι Μόρι.

Η πλοκή της ταινίας τοποθετείται στο 15ο αιώνα, στην Ιαπωνία, όπου ένας ληστής, ακινητοποιεί έναν σαμουράι, για χάρη της όμορφης γυναίκας του, την οποία θέλει να κάνει δική του. Ο σύζυγος τελικά βρίσκεται νεκρός, κι από εκεί κι έπειτα η ταινία αφηγείται τέσσερις διαφορετικές και αντικρουόμενες ιστορίες, για το πώς εξελίχθηκε και κατέληξε το όλο συμβάν. Η ταινία πρωτοκυκλοφόρησε στους κινηματογράφους, στις 25 Αυγούστου του 1950, με τους Ιάπωνες κριτικούς να την περιφρονούν.
Φαινομενικά και με πρώτη ανάγνωση πρόκειται για ένα αστυνομικό θρίλερ, με την δολοφονία ενός αριστοκράτη, το βιασμό της γυναίκας του, μάρτυρες, υπόπτους κλπ.. Ο σπουδαίος όμως Ιάπωνας σκηνοθέτης δεν μένει εκεί. Αντίθετα, μας παρουσιάζει το φόνο και το βιασμό ως αφορμές για να μας οδηγήσει σε ένα υπέροχο φιλοσοφικό ταξίδι. Τα ερωτήματα που θέτει είναι αμέτρητα και ο θεατής παρασύρεται άνευ όρων στην πανέμορφη -αν και σε ασπρόμαυρο φόντο- μαγεία που προσφέρει ο Κουροσάβα. Ένα δοκίμιο επί της ουσίας για την αλήθεια, το ψέμα και τη λεπτή διαχωριστική γραμμή που υπάρχει ανάμεσά τους. Τί είναι αλήθεια λοιπόν και τί ψέμα, έννοιες όπως υποκειμενικότητα, διαφορετική εκδοχή, αμφισβήτηση, δυσπιστία, ανασφάλεια αποτελούν μέρη του κουβαριού που με μαεστρικό τρόπο ξεδιπλώνει ο Κουροσάβα επί της οθόνης.
Τρία πρόσωπα λοιπόν, τρεις διαφορετικές εκδοχές πάνω στην ίδια ιστορία. Τρία διαφορετικά χωροχρονικά επίπεδα. Τρεις διαφορετικές οπτικές γωνίες. Τρεις ξεκάθαρα υποκειμενικές ιστορίες, γεμάτες αντιθέσεις… και αργότερα και μία τέταρτη. Η ιστορία είναι η ίδια. Τα γεγονότα τα ίδια. Η ατομικότητα όμως της υποκειμενικής προσέγγισης του κάθε μάρτυρα ποικίλλει. Σε αυτό συμβάλλουν διάφορα συναισθήματα, εμπειρίες, συμφέροντα, απόψεις, προσωπικότητες του καθενός.
Ο Κουροσάβα χρησιμοποιεί με εκπληκτικό τρόπο τα flashbacks για να αφηγηθεί τις τέσσερις διαφορετικές εκδοχές και συνολικά η σκηνοθεσία είναι εξαιρετική. Ποιος τελικά λέει την αλήθεια, εάν όντως κάποια από’ τις προσεγγίσεις είναι αληθινή… Κάπου εδώ μας κλείνει το μάτι ο Ιάπωνας σκηνοθέτης, αφού “Οι άνθρωποι δεν μπορούν να πουν την αλήθεια γιατί είναι άνθρωποι” όπως λέει χαρακτηριστικά εις εκ των μαρτύρων! Δεν θα μάθουμε ποτέ τι πραγματικά συνέβη και ποιος πραγματικά σκότωσε τον σαμουράι. Ο ληστής; Η γυναίκα του; Αυτοκτόνησε; Το σημαντικό δεν είναι ποιος το έκανε, αλλά ότι ο καθένας λέει την υποκειμενική του αλήθεια. Ο Kurosawa με αριστοτεχνικό τρόπο μας παρουσιάζει τέσσερις εγκιβωτισμένες αφηγήσεις και μας αφήνει με πολλά ερωτηματικά. Ακόμα και το τέλος δημιουργεί απορίες. Ένα κλάμα μωρού διακόπτει τη συζήτηση των τριών ανδρών, η βροχή κοπάζει και ο ένας εκ των τριών φεύγει αγκαλιά με το μωρό.

Ο ίδιος ο Ακίρα Κουροσάβα είχε πει σχετικά με το σενάριο της ταινίας και τους χαρακτήρες: «Τα ανθρώπινα όντα είναι ανίκανα να είναι ειλικρινείς με τον εαυτό τους όσον αφορά τους ίδιους τους τους εαυτούς. Δεν μπορούν να μιλήσουν για τους εαυτούς τους χωρίς να τους εξωραΐσουν. Το σενάριο περιγράφει τέτοια ανθρώπινα όντα-είδη που δεν μπορούν να επιβιώσουν χωρίς ψέματα που να τα κάνουν να νοιώθουν άνθρωποι καλύτεροι από όσο είναι. Δείχνει ακόμη αυτή την αμαρτωλή ανάγκη τους να κολακεύουν και να προσποιούνται ακόμη και μέσα από τον τάφο-ακόμη και ο χαρακτήρας που πεθαίνει δεν μπορεί να σταματήσει να λέει ψέματα όταν μιλάει μέσω του μέντιουμ στους ζωντανούς. Ο εγωισμός είναι μια αμαρτία που το ανθρώπινο ον κουβαλάει μαζί του εκ γενετής. Η λύτρωση από αυτή είναι το πιο δύσκολο πράγμα.»
Διακρίσεις: η ταινία κέρδισε τον Χρυσό Λέοντα, το 1951, κι συνέβαλε στην παγκόσμια αναγνωρισιμότητα του Κουροσάβα, και μαζί με αυτόν, έφερε και στο προσκήνιο όλον τον ιαπωνικό κινηματογράφο. Πέρα από τον Χρυσό Λέοντα, το 1952, πήρε και Τιμητικό Όσκαρ, από την Αμερικανική Ακαδημία, μεταξύ άλλων διακρίσεων. Σήμερα η ταινία θεωρείται, όχι μόνο μία από τις καλύτερες ταινίες του Ιάπωνα σκηνοθέτη, αλλά και μία από τις σπουδαιότερες ταινίες όλων των εποχών.

03. Tokyo Story (Yasujirô Ozu, 1953)

Η ταινία (ΤΑΞΊΔΙ ΣΤΟ ΤΌΚΙΟ / TOKYO MONOGATARI / TOKYO STORY)
To Tokyo Story (Tōkyō Monogatari) είναι μία ιαπωνική δραματική ταινία του 1953, σε σκηνοθεσία Γιασουχίρο Όζου. Το σενάριο γράφτηκε από από τον ίδιο τον σκηνοθέτη σε συνεργασία με τον Κόνγκο Νόντα. Πρωταγωνιστούν: Σίσου Ρίου, Σιμέκο Χιγκασι Γιάμα, Σετσούκο Χάρα, Χαρούκο Σουγκιμούρα, Νόμπουο Νακαμούρα, Σο Γιαμαμουρα
Το σενάριο που γράφτηκε σε 103 ημέρες, είναι ελαφρώς βασισμένο στην αμερικανική ταινία Make Way for Tomorrow. Στην αρχή ο Νόντα, είχε προτείνει στον Όζου να διασκευάσει ουσιαστικά το αμερικανικό έργο, όμως ο δεύτερος δεν το είχε δει. Ο Όζου ξεκίνησε τη σκηνοθεσία του με ηθοποιούς που είχε συνεργαστεί αρκετές φορές παλιότερα. Η ταινία κυκλοφόρησε στην Ιαπωνία το 1953 και δεν σημείωσε κάποια επιτυχία στο εξωτερικό, καθώς όπως λέγανε οι Ιάπωνες διανομείς παρά ήταν “ιαπωνική”. Ωστόσο, το 1957, παίχτηκε στο Λονδίνο και κέρδισε το Sutherland Trophy. Το 1972, προβλήθηκε και στη Νέα Υόρκη, και απέσπασε πολύ καλές κριτικές.

Πλοκή: Ένα ζευγάρι ηλικιωμένων, ο Χιραγιαμα Σουκίτσι και η σύζυγός του Τόμι, έρχονται από την επαρχία στο Τόκιο, με σκοπό να επισκεφθούν τα παιδιά τους. Αρχικά τους φιλοξενεί ο μεγάλος τους γιος Κόιτσι με τη γυναίκα του. Καθώς όμως γρήγορα ενοχλούνται από την παρουσία τους στο σπίτι, τους στέλνουν να φιλοξενηθούν στην κόρη τους Σιγκέ. Αυτή με την σειρά της τους «ξεφορτώνεται» και σε συμφωνία με τον αδελφό της τους «δωρίζουν» υποχρεωτικές διακοπές στα λουτρά του Ατάμι. Όμως εκεί υπάρχει πολυκοσμία και θόρυβος και οι δύο ηλικιωμένοι δεν μπορούν να ησυχάσουν. Επιστρέφουν λοιπόν στο Τόκιο, αναζητώντας ένα κατάλυμα για να περάσουν το βράδυ. Το μοναδικό πρόσωπο που ενδιαφέρεται γι’ αυτούς, τους συμπεριφέρεται με ευγένεια και καλοσύνη και τελικά τους φιλοξενεί, όχι από υποχρέωση αλλά επειδή το νιώθει πραγματικά, είναι η Νορίκο, η γυναίκα του γιου τους που χάθηκε στον πόλεμο. Όταν επιστρέφουν σπίτι τους, η Τόμι αρρωσταίνει και ύστερα από λίγο καιρό πεθαίνει. Μετά την κηδεία, η μόνη που μένει για να κάνει συντροφιά στο γέρο πατέρα είναι η Νορίκο.
Η φθορά των συναισθημάτων στο πέρασμα του χρόνου, το εφήμερο των ανθρώπινων πραγμάτων, οι προσδοκίες που διαψεύδονται, το χάσμα των γενεών που υψώνεται αμείλικτο, οι οικογενειακοί δεσμοί που ξεθωριάζουν, η ανέφικτη επικοινωνία, ο παλιός ευγενικός κόσμος που χάνεται μαζί με τους γέρους γονείς, η επιβολή ενός νέου μοντέλου ζωής, στο οποίο κυριαρχεί ο εγωκεντρισμός, η υστερική επιβεβαίωσης της ατομικότητας και όπου ο χρόνος ποτέ δεν είναι αρκετός… Κι όλα αυτά μέσα από το γαλήνιο και ήρεμο βλέμμα της ακίνητης και χαμηλά τοποθετημένης κάμερας του Γιασουχίρο Όζου, σε μια ταινία, η ύπαρξη της οποίας και μόνο, ομορφαίνει τον κόσμο. Το Ταξίδι στο Τόκιο έχει «κρατημένο στασίδι» σ’ όλες τις λίστες που αφορούν στις 10 καλύτερες ταινίες στην ιστορία του κινηματογράφου.

Το στυλ του Οζου: Ενδεικτικό όχι μόνο του μινιμαλιστικού κινηματογραφικού στιλ του Οζου, αλλά και μιας ολόκληρης σχολής του ιαπωνικού σινεμά που απέδειξε πως η πραγματική κινηματογραφική μαγεία προκύπτει μόνο από τα «απαραίτητα», το «Tokyo Story» είναι όμως κάτι περισσότερο από μια κλασική ταινία. Εκείνο που ενδιαφέρει τον Οτζου είναι η διάλυση της οικογένειας. Διάλυση που παρουσιάζει μ’ ένα διακριτικό αλλά σίγουρο τρόπο, με τόνους χαμηλούς, υποβάλλοντας αυτό που θέλει. Ο Οτζου σκιαγραφεί με ηρεμία, αλλά και δύναμη τη σχέση ανάμεσα στους γονείς και τα παιδιά, τονίζοντας τη μοναξιά του ζευγαριού, αλλά και γενικότερα τη θλίψη που δημιουργείται μέσα απ’ αυτή, και την έλλειψη ανθρώπινης επαφής. Πίσω από τις λιτές, όμορφες εικόνες του, και πέρα από τη συγκεκριμένη κοινωνική κριτική, υπάρχει μια βαθιά ηθική τοποθέτηση από μέρους του, μια ανθρώπινη, πέρα για πέρα γήινη, φιλοσοφία, που σπάνια συναντάμε σε κινηματογραφικό έργο. Μια ταινία-σταθμός, όχι μόνο για τον ιαπωνικό, αλλά και γενικότερα για τον παγκόσμιο κινηματογράφο, που βλέπετε και ξανα βλέπεται με την ίδια πάντα συγκίνηση. Σπαρακτικό όσο το χάσμα ανάμεσα σε δύο γενιές που δεν μοιράζονται τίποτα κοινό εκτός από το αίμα που τις ενώνει, τρυφερό όσο το βλέμμα δύο ηλικιωμένων απέναντι στην σκληρότητα μιας ξένης προς αυτούς καθημερινότητας, ειλικρινές όσο ο τρόμος ενός κόσμου που αλλάζει διαρκώς ξεχνώντας στην ξέφρενη πορεία του το ανθρώπινο στοιχείο, το «Tokyo Story» θα είναι για πάντα μια υπενθύμιση για το πώς το σινεμά μπορεί να αποτυπώσει τα πιο ανείπωτα «γιατί» του ανθρώπινου είδους δίνοντας τελικά τις πιο γενναιόδωρες απαντήσεις.
Η ταινία θεωρείται ως το σπουδαιότερο έργο του Ιάπωνα σκηνοθέτη, Όζου, ενώ συγκαταλέγεται και στις σπουδαιότερες ταινίες που γυρίστηκαν ποτέ. Το 2012, σε ψηφοφορία του Sight & Sound, σκηνοθέτες του κινηματογράφου, το ψήφισαν ως τη σπουδαιότερα ταινία όλων των εποχών.

02. Bicycle Thieves (Vittorio de Sica, 1948)

Η ταινία (ΚΛΕΦΤΗΣ ΠΟΔΗΛΑΤΩΝ / LADRI DI BICICLETTE / THE BICYCLE THIEF)
Ο πρωτότυπος ιταλικός τίτλος Ladri di biciclette αντιστοιχεί σε Κλέφτες ποδηλάτων, ενώ με την κυκλοφορία της ταινίας στις Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής ο τίτλος έγινε The Bicycle Thief που αντιστοιχεί στο Ο κλέφτης ποδηλάτων. Ως Κλέφτης ποδηλάτων (χωρίς το άρθρο) πρωτοπροβλήθηκε στην Ελλάδα το 1951 και, συγκεκριμένα, στην αθηναϊκή αίθουσα “Παλλάς”, τις εβδομάδες από 5 έως 18 Φεβρουαρίου. Η ιστορία της ταινίας αποτελεί διασκευή από το ομώνυμο βιβλίο του Λουίτζι Μπαρτολίνι.
Πλοκή: Ο Αντόνιο είναι ένας φτωχός νέος άνδρας, που ζει με την οικογένειά του στα περίχωρα της Ρώμης, λίγο μετά τον Β΄ Παγκόσμιο Πόλεμο. Για να πηγαινοέρχεται στη δουλειά του χρειάζεται ένα ποδήλατο, το οποίο και αποκτά. Ωστόσο, από την πρώτη κιόλας μέρα τού το κλέβουν. Απελπισμένος, ο Αντόνιο, με το γιο του, Μπρούνο, κι έναν γνωστό του οδοκαθαριστή, μαζί και με μερικούς συναδέλφους του τελευταίου, ψάχνουν να βρουν το ποδήλατο στα μέρη όπου διακινούνται κλοπιμαία. Κάποια στιγμή, εντοπίζει τον κλέφτη, αλλά τον χάνει από τα μάτια του. Αργότερα πέφτει τυχαία πάνω στο νεαρό κλέφτη, τον καταδιώκει μαζί με τον Μπρούνο, αυτός καταφεύγει στο σπίτι του, όπου τους περικυκλώνει ένα εχθρικό πλήθος —οι γείτονες του κλέφτη. Έρχεται η αστυνομία, αλλά ο Αντόνιο δεν είναι σε θέση να αποδείξει τον ισχυρισμό του. Στο γυρισμό, ο Αντόνιο αρπάζει ένα ποδήλατο έξω από ένα γήπεδο, καταδιώκεται όμως και συλλαμβάνεται. Ο κάτοχος του ποδηλάτου, ενώ αρχικά θέλει να τον παραδωσει στις Αρχές, στο τέλος τον λυπάται, βλέποντας τον Μπρούνο να κλαίει παραδίπλα. Η ταινία κλείνει με τη σκηνή όπου πατέρας και γιος, καθ’ οδόν για το σπίτι τους, χάνονται, ανακατεμένοι μέσα στο πλήθος.

Η ταινία βασίζεται στην νουβέλα του Λουίτζι Μπαρτολίνι, που κυκλοφόρησε το 1947. Το σενάριο επιμελήθηκε ο Τσέζαρε Ζαβατίνι. Ο «Κλέφτης Ποδηλάτων» ήταν μια παραγωγή με υψηλό προϋπολογισμό ,που γυρίστηκε στη Ρώμη. Σαράντα μικροπωλητές προσλήφθηκαν για τη σκηνή στην αγορά, ενώ για τη σκηνή της βροχής επιστρατεύθηκε η πυροσβεστική υπηρεσία Έξι κάμερες γύρισαν τη σκηνή με την κλοπή του ποδηλάτου. Μάλιστα, ο σκηνοθέτης έδινε τις οδηγίες του σε πλήθη ατόμων καθώς και στους ερασιτέχνες ηθοποιούς που ήταν μέλη του καστ. Η βοήθεια αυτών των ανθρώπων ήταν πολύτιμη καθώς γύριζαν τις σκηνές ξανά και ξανά, όποτε ήταν αναγκαίο, ενώ ήξεραν πώς να χρησιμοποιήσουν τις εμπειρίες της ζωής τους για να αποτυπώσουν τα συναισθήματα στο πρόσωπό τους, σε αντίθεση με πολλούς επαγγελματίες ηθοποιούς που χρειάζονται τεχνική για να επιτύχουν τον ίδιο αποτέλεσμα.

Ήταν δύσκολο το εγχείρημα της χρηματοδότησης της ταινίας καθώς ο παραγωγός Ντέιβιντ Ο. Σέλζνικ ήθελε τον Κάρι Γκραντ για τον πρώτο ρόλο. Ο Ντε Σίκα αρνήθηκε καθώς ένα χαρακτηριστικό των ταινιών του ιταλικού νεορεαλισμού ήταν η παρουσία ερασιτεχνών ηθοποιών, καθώς ήταν πιο πειστικοί στους ρόλους των φτωχών εργαζόμενων. O πρωταγωνιστής Λαμπερτο Ματζορανι είναι το κορυφαίο παράδειγμα του ερασιτέχνη ηθοποιού καθώς στην πραγματικότητα ήταν εργάτης σε εργοστάσιο. Η υποκριτική του δεινότητα αποτελεί παράδειγμα για τους επαγγελματίες ηθοποιούς. «Οι κινήσεις του, ο τρόπος που καθόταν, οι χειρονομίες με τα χέρια του εργάτη και όχι του ηθοποιού… όλα πάνω του ήταν τέλεια», σχολίασε ο Ντε Σίκα για τον πρωταγωνιστή του. Η ιστορία γύρω από την πρόσληψη του ηθοποιού είναι χαρακτηριστική: Η γυναίκα του άκουσε στο ραδιόφωνο για την οντισιόν του Ντε Σίκα για να καλυφθεί ο ρόλος του γιου του Αντόνιο Ρίτσι, Μπρούνο. Χωρίς να χάσει καιρό, πήγε στον σκηνοθέτη μια φωτογραφία που απεικονίζει τον γιο της μαζί με τον πατέρα του. Ο γιος απορρίφθηκε, ωστόσο, ο Ντε Σίκα ενθουσιάστηκε από τον Ματζορανι.

Διακρίσεις: Η ταινία θεωρείται ένα από τα αριστουργήματα του ιταλικού νεορεαλισμού. Μολονότι υπολείπεται, από αισθητική άποψη, άλλων σπουδαίων νεο ρεαλιστικών φιλμ, όπως το Ρώμη, ανοχύρωτη πόλη του Ροσελίνι και το Η γη τρέμει του Βισκόντι, αποτυπώθηκε στο φαντασιακό του διεθνούς κοινού, περισσότερο από οποιαδήποτε άλλη ταινία, ως η κατεξοχήν έκφραση του συγκεκριμένου κινηματογραφικού ύφους. Έλαβε τιμητική βράβευση Όσκαρ το 1950, ενώ λίγα χρόνια αργότερα εκτιμήθηκε από τους κριτικούς κινηματογράφου ως μια από τις σημαντικότερες ταινίες όλων των εποχών,διάκριση την οποία συνέχισε να κατέχει και κατά τις μετέπειτα δεκαετίες.

01. Seven Samurai (Akira Kurosawa, 1954)

Η ταινία: Οι Επτά Σαμουράι (ή Οι 7 Σαμουράι) (πρωτότυπος τίτλος: 七人の侍, Χέπμπορν: Shichinin no Samurai, διεθνής τίτλος: Seven Samurai) είναι μία ιαπωνική, δραματική, επική ιστορική, περιπετειώδης ταινία, του 1954, σε σκηνοθεσία Akira Kurosawa. Το σενάριο γράφτηκε από τον ίδιο τον σκηνοθέτη, σε συνεργασία με τους Shinobu Hashimoto και Hideo Oguni. Πρωταγωνιστούν οι Toshirô Mifune, Takashi Shimura, Keiko Tsushima, Yukiko Shimazaki, Daisuke Katô.
Πλοκή: Βρισκόμαστε στην Ιαπωνία του 16ου αιώνα και ο αιματηρός εμφύλιος που διαρκεί σχεδόν ενάμιση αιώνα έχει σπρώξει στην απελπισία τους χωρικούς που όπως συμβαίνει παντού και πάντα, είναι αυτοί που κυρίως υπομένουν τα δεινά του πολέμου. Ο θάνατος όμως πολλών daimyo έχει αφήσει πολλούς από τους σαμουράι που τους υπηρετούσαν χωρίς αφέντη είναι δηλαδή ronin και η εγκατάλειψη των χωριών λόγω του πολέμου έχει δώσει χώρο στους ληστές να βρουν και αυτοί με τη σειρά τους εύκολη λεία στους χωρικούς. Όταν ένα χωριό ρημάζεται από τις λεηλασίες ληστών, συγκαλείται συμβούλιο από τον πατριάρχη του χωριού και τελικά επικρατεί η άποψη του γενναιότερου και αποφασίζουν να προσλάβουν σαμουράι για να τους προστατέψουν. Και όπως τους προτρέπει ο πατριάρχης του χωριού ‘πεινασμένους σαμουράι’. Η φτώχεια και η εξαθλίωση από τον πόλεμο δεν είναι αποκλειστικό προνόμιο των χωρικών. Μία αποστολή πάει στην πόλη, ώστε να βρει τους σαμουράι.Η διαδικασία επιλογής των κατάλληλων πολεμιστών επαφίεται στον βετεράνο και συμπονετικό αν και ικανότατο σαμουράι Καμπέι Σιμάντα (Takashi Shimura), που αν και πιστεύει πως χρειάζονται συνολικά επτά για την προστασία του χωριού βρίσκει μόνο άλλους πέντε. Ο έβδομος τελικά θα είναι ένας πρώην χωρικός, ο Κικουτσίγιο (Toshirô Mifune), ο πιο ενδιαφέρων χαρακτήρας της ταινίας.

Ο Κικουτσίγιο (Toshirô Mifune) είναι άξεστος, είναι μέθυσος, δεν ξέρει να πολεμά, αλλά κρατάει ένα σπαθί μεγαλύτερο από το μπόι του, γιατί όπως όλοι οι άνθρωποι που θα ήθελαν να ανήκουν κάπου αλλού από εκεί που πραγματικά ανήκουν προσπαθεί και αυτός να καλύψει την απόσταση με εντυπωσιασμό. Όμως ο Κικουτσίγιο μπορεί και στέκεται ανάμεσα στους σαμουράι και στους χωρικούς και έτσι βλέπει τα κακά και των δύο τάξεων. Και τα επισημαίνει σε κάθε ευκαιρία.Παρά τα όσα έχει περάσει βλέπει τα πράγματα αντικειμενικά και είναι στο βάθος ένας ιδεαλιστής, ένας ρομαντικός που πιστεύει στο δίκιο, την τιμή και το χρέος. Είναι η συνείδησή μας και η υπενθύμισή μας για τον ανθρωπισμό, για την αξία του ανθρώπου ως άτομο και ως μονάδα στην κοινωνία, το μήνυμα του Kurosawa προς όλους μας. Έτσι στο τέλος κατορθώνει και παίρνει τη θέση που του αξίζει: Ένα τάφο δίπλα στους σαμουράι που τον αναγνωρίζουν σαν όμοιό τους, παρά το γεγονός πως δεν γεννήθηκε τέτοιος.
Όταν οι σαμουράι πάνε στο χωριό, αρχίζουν και ετοιμάζουν τη μάχη: καταστρώνουν σχέδιο και οχυρώνουν το μέρος. Ωστόσο, προετοίμαζαν και τους χωρικούς για επίθεση. Πριν αρχίσει η επίθεση, αποστολή φεύγει ώστε να σκοτώσει ληστές, πιάνοντας τους στον ύπνο, η οποία χαρακτηρίζεται εν μέρει επιτυχημένη, καθώς εκεί πεθαίνει ο πρώτος σαμουράι. Η μέρα της επίθεσης έφτασε και σιγά σιγά το χωριό, απωθεί τους ληστές. Από τους 40 συν ληστές είχαν μείνει μόνο 13, και όλο το χωριό ετοιμαζόταν για την τελική μάχη. Η μάχη θα ξεκινήσει και το χωριό θα σωθεί αλλά ποιός είναι ο νικητής και ποιός ο ηττημένος στο τέλος? Τελικά οι ληστές πεθαίνουν όλοι. Παρόλα αυτά, οι επτά σαμουράι, έμειναν στο τέλος τρεις. Η ταινία τελειώνει με τους τρεις εναπομείναντες σαμουράι να βλέπουν το νεκροταφείο, μαζί με τους τέσσερις χαμένους συντρόφους τους, και όσους χωρικούς χάθηκαν. Και όταν οι τρεις σαμουράι στέκονται περίλυποι μπροστά στους τάφους των τεσσάρων συναδέλφων τους, το χωριό τους γυρίζει την πλάτη και αφού ο κίνδυνος πέρασε επιστρέφουν στη ζωή τους και στις καλλιέργειές τους, δίνοντας στους σωτήρες τους να καταλάβουν πως είναι πλέον ανεπιθύμητοι. Και τότε ο Κάμπει Σιμάντα επιβεβαιώνει την μοίρα των σαμουράι: ‘Πάλι ηττηθήκαμε, το χωριό νίκησε’. Ο Kurosawa παραδέχεται, ίσως με κάποια λύπη είναι η αλήθεια, πως η τάξη των αριστοκρατών δεν έχει μέλλον. Οι χωρικοί, πλέον ανακουφισμένοι και χαρούμενοι τραγουδούν, θερίζοντας παράλληλα τη συγκομιδή τους.Και αν στον θάνατο οι τάξεις παραμερίζονται, δεν συμβαίνει το ίδιο και στη ζωή. Η αγάπη του νεαρού σαμουράι για την Σίνο, την κόρη ενός χωρικού, δεν μπορεί να έχει αίσιο τέλος γιατί η κοινωνία το απαγορεύει.

«Οι 7 Σαμουράι»: Μαθήματα κινηματογράφου
Οι μεγάλες ταινίες, παραμένουν σαφώς κι εξόχως μεγάλες λόγω της στυλοβατικής τους επίδρασης στην εποχή του μέσου τους. «Οι 7 Σαμουράι» εκτός από υποδειγματικό σινεμά χαρακτηρολογικής περιπέτειας, είναι παραδειγματικό σινεμά με τα όλα του. Η ιστορία των χωρικών που χρειάζονται την βοήθεια επτά Σαμουράι που έμειναν χωρίς αφέντη, για να γλιτώσουν από τους άρπαγες ληστές που λυμαίνονται την περιοχή, είναι από μόνη της η πρωταρχική μαγιά που δεν είχε προγόνους στο διεθνές στερέωμα. Από εκεί και μετά όμως είναι η προσωπικότητα του Κουροσάβα που με μια σειρά ενεργειών έχτισε καρέ-καρέ το ζηλευτό οικοδόμημα ενός φιλμ που σήμερα θεωρείται η καλύτερη περιπέτεια που γυρίστηκε ποτέ.
Ο Akira Kurosawa ήταν διάσημος τελειομανής που πίστευε απόλυτα στο καλό σενάριο. Υποστήριζε πως με ένα καλό σενάριο και ένας μέτριος σκηνοθέτης μπορεί να κάνει μια καλή ταινία. Αλλά όπως έλεγε, ούτε ο καλύτερος σκηνοθέτης δεν μπορεί να κάνει μια καλή ταινία με ένα κακό σενάριο. Για να μπορέσει να βάλει τους ηθοποιούς του στο πνεύμα των ρόλων τους, δημιούργησε για κάθε έναν από τους 7 σαμουράι ένα ολόκληρο οικογενειακό δέντρο και μια βιογραφία, η οποία αν και πουθενά στην ταινία δεν φαίνεται, τους έδωσε το υπόβαθρο για να αναπτύξουν με τον καλύτερο τρόπο τον χαρακτήρα τους. Το ίδιο έκανε και για τους χωρικούς. Κάθε χωρικός που εμφανίζεται είχε την δική του ιστορία γραμμένη από τον Kurosawa, ο οποίος έχει γράψει και σενάριο της ταινίας μαζί με τους συνεργάτες του.
Χρειάστηκαν «ευρεσιτεχνίες» όπως αυτή που κινηματογραφησε την δράση με τρεις κάμερες ταυτόχρονα, ώστε να μην υπάρχουν συχνές διακοπές. Χρειάστηκε να είναι ο ίδιος ο μοντέρ του έργου (το συνήθιζε) με την πρωτοτυπία να μοντάρει το βράδυ τις λήψεις της ημέρας τόσο για λόγους budget αλλά και γιατί όπως ισχυριζόταν ο ίδιος τον βόλευε καλύτερα. Οι Εφτά Σαμουράι ήταν η μεγαλύτερη εμπορική επιτυχία στην Ιαπωνία και έκανε γνωστό τον Ιαπωνικό κινηματογράφο αλλά και τον Kurosawa στον Δυτικό κόσμο. Ενδιαφέρον έχει πως στο Φεστιβάλ Βενετίας που πρωτοπαρουσιάστηκε το 1954 πήρε το δεύτερο βραβείο, Αργυρό Λέοντα (οι Ιταλοί προτίμησαν να δώσουν το πρώτο στο δικό τους μάλλον αδιάφορο και ξεχασμένο Romeo and Juliet του Renato Castellani), ενώ στα Oscar προτάθηκε για την καλλιτεχνική διεύθυνση και τα κοστούμια, αλλά δεν πήρε κανένα από δύο. Σήμερα συγκαταλέγονται ανάμεσα στις καλύτερες ταινίες της ιστορίας, το BBC τους θεωρεί μετά από δημοσκόπηση σε δεκάδες χώρες την καλύτερη ξένη ταινία όλων των εποχών, το Sight & Sound τους έχει στην τρίτη θέση, το Empire στην πρώτη επί των ξενόγλωσσων και οι σινεφίλ που σέβονται τον εαυτό τους σε μια από τις πιο υψηλές θέσεις της ειδικής τους μνήμης. Έως και σήμερα, αυτό το αριστούργημα, συνεχίζει και επηρεάζει τους δημιουργούς του κινηματογράφου.
ΠΗΓΕΣ: www.cinemagazine.gr, el.wikipedia.org, pamecinema.wordpress.com, artic.gr, www.cinephilia.gr,https://flix.gr, http://greatdirectorsgreatmovies.blogspot.com, www.vanityfair.fr, www.kar.org.gr, https://groussos.net, https://cinepivates.gr, https://en.wikipedia.org, www.athinorama.gr,

ΚΑΛΗ ΔΙΑΣΚΕΔΑΣΗ (ΤΕΛΟΣ)